Penelope Robin inicia una nueva etapa con Diosa de Cien Colores

Penelope Robin presenta Diosa de Cien Colores, el sencillo con el que inaugura una nueva etapa artística marcada por la autenticidad, la libertad y el orgullo de ser diferente. La cantautora, firmada por Sony Music, apuesta por un mensaje de empoderamiento que invita a abrazar la identidad propia sin miedo a romper estereotipos.

La canción llega como el primer lanzamiento de una nueva era en la carrera de la artista, quien además consolida su faceta como productora musical al asumir la producción de este proyecto. Con una propuesta que combina pop contemporáneo y una estética visual poderosa, Penelope Robin busca conectar con quienes alguna vez sintieron que debían ocultar una parte de sí mismos para ser aceptados.

Una canción que celebra la autenticidad

“Diosa de Cien Colores” nació a partir de una reflexión muy personal de la artista sobre la importancia de mostrarse tal como es.

“‘Diosa de Cien Colores’ surgió de preguntarme: ¿qué pasaría si simplemente dejara de esconderme? La canción es esa respuesta. Y cuando empecé a escribirla, supe que no era solo para mí, era para todas las personas que alguna vez sintieron que tenían que apagar una parte de sí mismas para que el mundo las aceptara”, expresó Penelope Robin.

El sencillo fue compuesto junto a Christopher Robin Rodríguez y Alejandro Vélez Suárez, mientras que la producción estuvo a cargo de la propia cantante, marcando un nuevo paso en su crecimiento creativo y artístico.

Una nueva identidad artística

Más que un lanzamiento musical, Diosa de Cien Colores representa una declaración de identidad.

A través de una propuesta visual que mezcla elementos de alta moda con escenarios urbanos, Penelope Robin construye una narrativa sobre una mujer que ocupa su lugar en el mundo sin necesidad de responder a expectativas impuestas.

El sencillo reivindica la diferencia como una fortaleza y transmite un mensaje de confianza para quienes buscan expresarse libremente.

Un lanzamiento en el mes del Pride

El estreno de Diosa de Cien Colores coincide con las celebraciones del Pride en Colombia, un contexto que refuerza el mensaje de diversidad e inclusión presente en la canción.

Como parte de esta nueva etapa, Penelope Robin hará parte de la programación del Pride en Bogotá, donde se presentará en la Plaza de Bolívar y posteriormente encabezará una de las noches de Theatron, dos escenarios emblemáticos para la celebración de la diversidad en el país.

Una artista con proyección internacional

Nacida en Miami y radicada en Colombia, Penelope Robin inició su camino artístico desde los nueve años. Con raíces cubanas y venezolanas, ha desarrollado una carrera como cantante, compositora y productora, compartiendo escenario con artistas de talla internacional como Phil Collins y Karol G.

Actualmente hace parte del catálogo de Sony Music y se ha consolidado como una de las nuevas voces del pop latino, destacándose por una propuesta que combina elegancia, sensibilidad y una identidad artística en constante evolución.

Con Diosa de Cien Colores, Penelope Robin inicia una etapa en la que apuesta por un sonido más audaz, una imagen más definida y un mensaje que invita a celebrar la autenticidad. La artista busca que esta canción se convierta en un himno para quienes entienden que ser diferente también es una forma de brillar.

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El artista colombiano Gregorio Umaña presentó su nuevo álbum “¿Y si no es para siempre?”, un proyecto musical que explora emociones como la culpa, el deseo, el amor prohibido y la liberación personal desde una propuesta de heartbreak pop dramático.

El lanzamiento llega como una apuesta por el pop alternativo latinoamericano, combinando una narrativa íntima con una experiencia sonora y visual construida alrededor de las contradicciones emocionales del amor.

Un álbum sobre el amor, el juicio y la aceptación

A través de siete canciones, Gregorio Umaña desarrolla una historia que transita entre el miedo, el rechazo y la aceptación emocional. El disco se ambienta en escenarios nocturnos y emocionales, donde cada tema representa una etapa distinta del conflicto interno de amar bajo la presión social y religiosa.

Según explicó el artista, el álbum nace desde una experiencia profundamente personal:

“Este álbum es un viaje desde sentir culpa por amar hasta dejar de pedir perdón por hacerlo”, expresó GREGORIO.

La propuesta convierte el dolor emocional en una narrativa musical donde las emociones dejan de verse como un error y pasan a convertirse en una forma de reconstrucción personal.

El concepto de “heartbreak pop dramático”

El álbum define su identidad sonora dentro del concepto de heartbreak pop dramático, un estilo que mezcla sensibilidad emocional, atmósferas cinematográficas y letras introspectivas.

Las canciones abordan temas como:

• El amor no correspondido
• La culpa emocional
• Las relaciones ocultas
• El juicio social
• La pérdida afectiva
• La liberación personal

La narrativa del disco muestra personajes que atraviesan el conflicto entre ocultar sus emociones o aceptarlas públicamente, hasta llegar a una conclusión marcada por la autenticidad y el amor propio.

Nicolás de La Espriella estuvo a cargo de la producción

La producción completa de “¿Y si no es para siempre?” estuvo a cargo de Nicolás de La Espriella (Navi), productor reconocido por trabajar con artistas como Sebastián Yatra y HUMBE dentro de la escena del pop latino.

La colaboración aporta una identidad sonora contemporánea que combina elementos del pop emocional con sonidos alternativos y estructuras narrativas más cinematográficas.

Tracklist de “¿Y si no es para siempre?”

El álbum está compuesto por siete canciones que representan distintas etapas emocionales:

1. Pecado Capital — El descubrimiento
2. La Culpa — El juicio
3. 4 Paredes — El secreto
4. Déjame — Aceptar que no será para siempre
5. En Privado — Cuando ya no queda nada por decir
6. Otros Ojos Te Ven — Ver a esa persona seguir sin ti
7. Permanente — Cuando amar no fue suficiente

Un nuevo lanzamiento del pop alternativo colombiano

Con este trabajo, Gregorio Umaña se suma a la nueva generación de artistas colombianos que exploran formatos más emocionales y conceptuales dentro del pop latino.

El álbum apuesta por una narrativa donde el amor no aparece idealizado, sino atravesado por contradicciones humanas, relaciones complejas y procesos de transformación emocional.

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El lanzamiento llega en un momento clave para la cantante, quien se ha posicionado como una de las artistas femeninas emergentes en Colombia, gracias a una propuesta que mezcla raíces culturales, lenguaje local y una estética propia.

Una canción con identidad costeña

“Cule Poco (sirena_besarico_costeña)” destaca por su conexión con la cultura del Caribe colombiano. La canción incorpora jerga barranquillera y elementos propios de la región, lo que le da un carácter auténtico y cercano para el público.

La propuesta de Aria Vega se apoya en una narrativa que refleja su origen, consolidando un estilo que algunos seguidores ya identifican como “costeñita core”, una tendencia que mezcla música, actitud y estética.

Impacto en redes sociales

Antes de su lanzamiento oficial, el sencillo ya generaba conversación en plataformas digitales. Un adelanto compartido por la artista impulsó la creación de más de 16 mil videos en redes sociales, evidenciando el alcance orgánico del tema.

Este comportamiento digital posiciona a “Cule Poco” como una de las canciones con mayor proyección en el entorno digital reciente, fortaleciendo la presencia de la artista en audiencias jóvenes.

Un videoclip con sello caribeño

El estreno llega acompañado de un videoclip grabado en la playa, donde se muestran diferentes escenarios naturales del Caribe. Las imágenes incluyen secuencias frente al mar y tomas al atardecer, reforzando la estética visual del proyecto.

Este componente audiovisual complementa la narrativa de la canción y conecta con la identidad que Aria Vega busca consolidar dentro de la música urbana y alternativa en Colombia.

Una carrera en crecimiento

Con este lanzamiento, Aria Vega reafirma su proceso dentro de la industria musical. Su propuesta combina sonido fresco, identidad cultural y estrategia digital, elementos que han sido clave en su crecimiento reciente.

“Cule Poco (sirena_besarico_costeña)” se suma así a una nueva ola de artistas que están redefiniendo la música colombiana desde lo local hacia lo global.

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Tappan Quemarlo Todo es el nuevo sencillo del músico, compositor y productor colombiano, una canción que transita entre el R&B, el soul y el rock para construir una experiencia emocional que va de la introspección al renacimiento. El tema se presenta como una poderosa declaración sonora sobre la resistencia, los momentos difíciles y la posibilidad de levantarse incluso cuando todo parece estar en contra.

Con una atmósfera inicial íntima y groovie, “Quemarlo Todo” comienza desde un lugar melancólico, sostenido por una base rítmica elegante que abre paso a una narrativa emocional profunda. Sin embargo, la canción no permanece en la oscuridad. A medida que avanza, crece en intensidad hasta llegar a un clímax explosivo de energía rockera, convirtiéndose en una especie de viaje sonoro hacia la liberación.

Tappan Quemarlo Todo: una canción sobre tocar fondo y volver a levantarse

“Quemarlo Todo” habla de esos momentos en los que la vida parece pesar más de la cuenta. De esos días en los que nada sale bien, el entorno se siente hostil y las circunstancias empujan al límite. Pero lejos de quedarse en la derrota, la canción propone una salida: reconocer el dolor, atravesarlo y encontrar en él una nueva fuerza.

La frase “aún estoy aquí pisando la tierra, aún puedo salir del lodo” resume el corazón del sencillo. Es una línea que funciona como afirmación de vida, como recordatorio de que mientras exista la posibilidad de seguir de pie, también existe la opción de reconstruirse.

En ese sentido, Tappan Quemarlo Todo no es solo una canción sobre el cansancio o la frustración. Es también un manifiesto de resistencia. Su mensaje conecta con quienes han sentido que deben cerrar ciclos, romper con lo que duele o empezar de nuevo desde las cenizas.

Del R&B al rock: una evolución emocional

Uno de los elementos más fuertes del sencillo es su construcción musical. La canción inicia con una sensibilidad cercana al R&B y al soul, marcada por una base rítmica cálida, elegante y contenida. Ese primer momento crea una atmósfera introspectiva, casi confesional, donde la emoción aparece de forma sutil.

Luego, el tema empieza a transformarse. La tensión crece progresivamente hasta llegar a un punto de quiebre: un solo de guitarra desgarrador, distorsionado y visceral, que irrumpe sobre la base R&B y lleva la canción hacia un clímax rockero.

Ese solo de guitarra, con ecos del espíritu eléctrico de Prince, le da a “Quemarlo Todo” una fuerza particular. No aparece como un adorno musical, sino como una explosión emocional. Es el momento en el que la canción deja de contenerse y se convierte en una liberación.

Una propuesta que se escucha y se vive

En Tappan Quemarlo Todo, la mezcla de géneros no se siente forzada. El soul aporta profundidad emocional, el R&B sostiene el groove y el rock aparece como descarga, como catarsis. Esa combinación permite que el sencillo tenga una narrativa clara: empieza desde la introspección, atraviesa la tensión y termina en un lugar de redención.

La canción no solo busca ser escuchada. Está pensada como un proceso de transformación. Su evolución sonora acompaña el mensaje de fondo: incluso cuando parece necesario quemarlo todo, también puede surgir la posibilidad de volver a empezar.

Esta capacidad de construir emociones desde la producción reafirma la identidad de Tappan como un artista integral. No se limita a interpretar, sino que crea un universo sonoro propio, en el que cada decisión musical aporta a la historia que quiere contar.

Una canción producida por Tappan

“Quemarlo Todo” fue coescrita junto a Makoto Naganuma y producida por el propio Tappan, lo que refuerza su papel como músico, compositor y productor. Esta participación en las distintas etapas del proceso creativo le permite mantener una dirección artística coherente, tanto en el sonido como en el mensaje.

El sencillo, que hará parte de su próximo álbum, fue grabado en Bogotá entre Eón Estudios y Tappan Music Estudio. Esta producción consolida una nueva etapa para el artista colombiano, quien continúa explorando sonoridades que conectan la emoción íntima con la fuerza del rock.

Tappan, una trayectoria sólida en la música independiente

El guitarrista, productor y compositor colombo-mexicano cuenta con una trayectoria de más de 20 años en la música. A lo largo de su carrera ha trabajado con grandes artistas en giras internacionales, creado música para televisión y producido proyectos independientes.

En 2011 inició su proyecto de rock independiente bajo el nombre TAPPAN, con el cual ha logrado posicionarse como uno de los exponentes destacados del género en Colombia. Desde entonces, ha editado cuatro discos de estudio y ha llevado su música a importantes escenarios y festivales.

Entre esos espacios se destacan sus participaciones en Rock al Parque en 2013, 2015 y 2019, además de su presencia en los primeros lugares de charts de radio nacional.

“Quemarlo Todo”, una nueva etapa sonora

Con Tappan Quemarlo Todo, el artista colombiano entrega una canción que une sensibilidad, fuerza y evolución. El sencillo funciona como una declaración artística y emocional: una invitación a reconocer el dolor, dejar que la música lo atraviese y encontrar en ese proceso una forma de renacer.

“Quemarlo Todo” confirma la capacidad de Tappan para moverse entre géneros sin perder identidad. Su sonido mezcla la profundidad del soul con la potencia visceral del rock, logrando una canción intensa, honesta y cargada de humanidad.

El sencillo ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

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Este lanzamiento marca una nueva etapa en su carrera, en la que apuesta por ritmos globales con influencia latina. El EP llega con el sencillo principal “TODOMENTAL”, una canción que resalta por su energía, su ritmo envolvente y una lírica centrada en las emociones y el deseo.

“TODOMENTAL”, el foco del EP

El tema “TODOMENTAL” se posiciona como el eje del proyecto. Con una base de afrobeat latino, la canción propone una experiencia sonora que invita al movimiento y a la conexión emocional.

La letra explora la idea de que muchas barreras personales se originan en la mente, un concepto que se traduce en una narrativa directa y contemporánea.

Un sonido que mezcla ritmos y raíces

En “La Joya del Caribe”, Jheral desarrolla una propuesta que combina influencias urbanas con sonidos tropicales. El EP incluye canciones como “AHI WE”, “YOGA”, “TODOMENTAL” y “SHORTY”, cada una con matices distintos que van desde lo bailable hasta lo íntimo.

Esta diversidad sonora refleja una búsqueda por conectar con diferentes públicos, manteniendo una base rítmica coherente con el afrobeat latino.

Una apuesta por lo global con identidad latina

Más allá de un lanzamiento musical, el EP representa el concepto artístico de Jheral. “La Joya del Caribe” funciona como una carta de presentación de su universo creativo, donde convergen la sensualidad, la diversidad cultural y la vitalidad del Caribe.

Con este proyecto, el artista se proyecta como una de las nuevas voces del género, apostando por sonidos que dialogan con tendencias internacionales sin perder su raíz latina.

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Eden Muñoz Cristian Castro se unen en “Osadía”, una colaboración que llega como un nuevo himno al desamor y que reúne dos universos musicales con una fuerza emocional muy clara: la de quien lo dio todo en una relación, hizo las cosas bien y aun así terminó enfrentando una despedida.

El nuevo sencillo de Eden Muñoz junto a Cristian Castro ya está disponible en plataformas digitales y llega precedido por una conversación orgánica en redes sociales, impulsada por la conexión de ambos artistas con sus audiencias y por los adelantos que despertaron expectativa antes del estreno oficial.

Eden Muñoz Cristian Castro presentan “Osadía”

“Osadía” parte de una idea sencilla, pero poderosa: no todo el dolor nace del engaño o la traición. A veces, el desamor también llega después de haber amado bien, de haberse entregado con honestidad, de “bajar las estrellas” y de intentar sostener una historia que no tuvo la misma reciprocidad del otro lado.

Desde esa mirada, Eden Muñoz Cristian Castro logran construir una canción que conecta con una emoción muy reconocible: el desengaño que aparece cuando una persona siente que hizo todo lo que estaba a su alcance, pero aun así terminó perdiéndose en una relación rota.

El tema conserva una esencia profundamente mexicana, con el acordeón como uno de los elementos que marca la pauta musical. Esta sonoridad acompaña una interpretación cargada de sentimiento, en la que las voces de ambos artistas se complementan desde lugares distintos: la sensibilidad narrativa de Eden Muñoz y la potencia romántica de Cristian Castro.

Una canción sobre amar bien y aun así perder

En “Osadía”, la letra no busca dramatizar el dolor, sino reconocerlo desde una honestidad directa. Frases como “me he quedado sin mí, sin ti, sin los dos”, “me entregué como dice el manual” o “ni las gracias me dio” reflejan la historia de alguien que intentó amar de la forma correcta, pero terminó enfrentando una ausencia emocional difícil de explicar.

La fuerza de la canción está justamente en esa claridad. No habla del típico desamor marcado por una traición evidente, sino de una herida más silenciosa: la de haber dado todo sin recibir lo mismo a cambio.

Por eso, Eden Muñoz Cristian Castro convierten “Osadía” en una pieza cercana para quienes han vivido una relación en la que el amor no fue suficiente. La canción pone en palabras ese momento en el que alguien entiende que también puede doler haber hecho las cosas bien.

Dos artistas en momentos clave de sus carreras

La colaboración llega en un momento importante para ambos artistas. Eden Muñoz atraviesa una etapa de consolidación en su carrera, con una propuesta musical que no depende de fórmulas, sino de la claridad con la que logra comunicar emociones complejas en un lenguaje cercano.

El artista ha definido la música como su salvavidas y, en esta nueva etapa, se ha convertido en una voz capaz de traducir historias de amor, pérdida y vulnerabilidad desde una sensibilidad actual, conectada con audiencias que buscan canciones reales.

Por su parte, Cristian Castro llega a esta colaboración con una trayectoria ampliamente consolidada dentro de la música latina. Su catálogo hace parte de la memoria emocional de varias generaciones y su presencia continúa conectando con nuevos públicos, no solo por su voz, sino también por una personalidad que se mantiene vigente en la conversación digital.

En ese cruce aparece la fuerza de “Osadía”: una canción donde el regional, la balada y el sentimiento popular encuentran un punto de encuentro natural.

Una colaboración que nació desde la espontaneidad

La historia detrás de Eden Muñoz Cristian Castro en “Osadía” también ha tenido un componente espontáneo. Antes del lanzamiento, Cristian Castro invitó a Eden Muñoz a cantar junto a él “Azul”, uno de sus temas más recordados. Ese momento posicionó la relación entre ambos artistas en redes sociales y generó una reacción inmediata entre los seguidores.

Luego llegaron los primeros avances de “Osadía”, que comenzaron a circular con fuerza en TikTok. El contenido acompañado por un lyric video alcanzó más de 376 mil likes, confirmando que la canción ya estaba encontrando un lugar entre la audiencia incluso antes de su estreno oficial.

A esta conversación se sumó la palabra “chipocluda”, usada por Cristian Castro para describir la canción, un detalle que terminó alimentando una viralidad no planeada y reforzando el carácter auténtico del lanzamiento.

El video oficial de “Osadía”

El sencillo llega acompañado de un video oficial que refuerza la emotividad de la canción y muestra el encuentro entre dos universos musicales que, aunque distintos, logran complementarse con naturalidad.

La pieza visual combina escenas de Eden Muñoz y Cristian Castro con una historia de desamor marcada por la búsqueda de respuestas. El relato presenta a un personaje que se enfrenta a sus propias preguntas y se encuentra con la figura de un ángel que tal vez nunca existió.

Con una estética cinematográfica, el video potencia el sentido emocional de “Osadía” y acompaña la interpretación vocal de ambos artistas, dejando como resultado una propuesta visual coherente con la intensidad de la canción.

“Osadía”, una canción que encontró su camino

En un entorno musical donde muchas veces la viralidad parece planearse desde el inicio, “Osadía” destaca por un camino distinto. La canción no busca imponerse, sino encontrarse con una audiencia que ya estaba lista para recibirla.

Con esta colaboración, Eden Muñoz Cristian Castro entregan una canción honesta, emocional y directa, que habla del desamor desde un lugar menos evidente, pero profundamente humano: el de quien amó bien, hizo lo posible y aun así tuvo que aceptar la pérdida.

“Osadía” ya está disponible en todas las plataformas digitales.

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Un álbum que recorre emociones y estilos

El disco “El Diferente” está compuesto por ocho canciones que exploran distintas emociones como el despecho, el enamoramiento y la decepción, manteniendo la esencia que ha caracterizado al artista a lo largo de su carrera. Este proyecto busca consolidar a Nacho Acero como una de las voces destacadas de la salsa en Colombia, apostando por una propuesta fresca sin perder la identidad del género.

El primer sencillo, que da nombre al álbum, fue presentado semanas atrás y ha servido como carta de presentación de esta nueva etapa musical.

Producción y colaboraciones destacadas

En la creación de este álbum participaron reconocidos compositores y productores. Entre ellos se encuentran Iván Calderón y Luis Lambis, quienes aportaron en la composición de varios temas. La producción musical estuvo a cargo de Orlando Libreros y Sebastián Velásquez, mientras que Jesús David Garcés participó en una versión pop incluida en el disco.

Esta combinación de talentos aporta dinamismo, modernidad y una sonoridad diversa que refuerza la propuesta de salsa moderna del artista.

Un proyecto para nuevas y viejas generaciones

“El Diferente” se presenta como un álbum pensado tanto para el bailador como para el oyente romántico. La propuesta mezcla ritmos tradicionales con nuevas influencias, generando una experiencia musical que busca atraer tanto a seguidores clásicos del género como a nuevas generaciones.

Además, este lanzamiento llega en un momento clave para la carrera del artista, quien ha sido nominado a los Premios Nuestra Tierra 2026 en dos categorías, lo que refuerza su proyección dentro de la industria musical.

Proyección internacional y lanzamiento digital

Con este trabajo, Nacho Acero también busca consolidar su presencia en mercados internacionales como México, Perú, Ecuador y Estados Unidos, ampliando el alcance de la salsa colombiana.

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El tema marca un momento relevante en la carrera de Mackie Ranks, al tratarse de su primera colaboración con una artista femenina colombiana. Este paso refleja la evolución del artista dentro del género y su interés por conectar con nuevas audiencias en América Latina, especialmente en un país como Colombia, que hoy es clave para la industria musical urbana.

Por su parte, Ary Uh continúa consolidando su camino dentro de la nueva generación del género urbano. La artista, originaria de Medellín, ha venido construyendo una identidad propia respaldada por Álvaro Osorio, figura clave en la proyección de talentos y padre del reconocido artista J Balvin. Este respaldo fortalece su presencia en la escena musical y le da impulso a este nuevo lanzamiento.

Una historia sobre conexiones inesperadas

En términos narrativos, “No Es Normal” aborda una temática emocional cercana al público joven: el gusto inesperado por alguien que apenas se está conociendo. La canción describe esa conexión intensa y diferente que surge desde el primer momento, convirtiéndose en una experiencia que rompe con lo habitual.

La producción musical estuvo a cargo de Dr Davinchi, junto a los productores Cyber y Hawe, quienes aportan un sonido moderno que mezcla autenticidad, frescura y experiencia. Esta combinación busca conectar tanto en plataformas digitales como en emisoras y redes sociales, donde el género urbano mantiene una alta rotación.

Medellín como escenario del videoclip

El lanzamiento está acompañado de un videoclip grabado en Provenza, uno de los sectores más representativos de Medellín. El video, dirigido por Cyber Music, resalta la escena urbana, la estética contemporánea y la energía musical que caracteriza a la ciudad, hoy considerada uno de los epicentros del género en Latinoamérica.

Con esta colaboración, “No Es Normal” se posiciona como una apuesta que no solo une territorios, sino también estilos y trayectorias. El resultado es un lanzamiento que refleja el dinamismo actual de la música urbana y su constante evolución en la región.

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El EP tiene como tema principal “TODOMENTAL”, una canción que se posiciona como el focus track del proyecto. Este sencillo se construye sobre una base de afrobeat latino, combinando sonidos envolventes con una lírica centrada en las emociones, el deseo y la conexión. La canción plantea una idea clara: muchas de las barreras que enfrentan las personas pueden estar en la mente.

Un EP que define su identidad musical

Con “La Joya del Caribe”, Jheral presenta un proyecto multitrack que refleja su visión artística. A lo largo del EP, el artista fusiona afrobeat, sonidos urbanos y esencia caribeña, logrando un resultado fresco y contemporáneo que busca conectar con nuevas audiencias.

El trabajo incluye canciones como “AHI WE”, “YOGA”, “TODOMENTAL” y “SHORTY”, cada una explorando distintos matices del ritmo. Mientras algunos temas están orientados a la pista de baile, otros proponen una experiencia más íntima y emocional para el oyente.

Afrobeat latino con proyección global

Más allá de su nombre, “La Joya del Caribe” representa el universo creativo de Jheral. El proyecto busca destacar la diversidad cultural, la vitalidad y la riqueza de las raíces latinas dentro de un sonido global.

Con este lanzamiento, el artista reafirma su apuesta por el afrobeat latino como una tendencia en crecimiento dentro de la industria musical, proyectándose como una de las nuevas voces del género en Colombia y la región.

La entrada Jheral lanza “La Joya del Caribe”, su nuevo EP afrobeat latino se publicó primero en Canal Trece.

Ciegossordomudos presenta “Chanel”, un sencillo junto a La Ramona inspirado en la noche de Bogotá y adelanto de su álbum “Piloto Automático”.

“Chanel”: una canción inspirada en la noche de Bogotá

“Chanel” construye un retrato de la vida nocturna en la capital, recorriendo espacios como bares, clubes y encuentros donde la música y la celebración se convierten en protagonistas.

La canción no solo habla de fiesta, sino de una ciudad vibrante y en constante movimiento, donde la noche funciona como un punto de conexión cultural y expresión de libertad.

El sencillo explora una faceta distinta de la banda al integrar elementos del disco y el soul a su base rockera. La inclusión de una sección de vientos aporta una atmósfera más envolvente, pensada para la noche.

La colaboración con La Ramona suma una nueva dimensión al tema. Su estilo, que mezcla pop, jazz, soul y electrónica, genera un contraste que enriquece la propuesta y conecta diferentes generaciones musicales.

Una canción que conecta pasado y presente

Aunque “Chanel” es un lanzamiento actual, su origen se remonta al año 2000. La canción fue retomada y regrabada en 2026, en un proceso que combinó diferentes etapas de producción entre Bogotá y Miami.

Este recorrido le permite mantener su esencia original mientras se adapta a una nueva etapa creativa de la banda.

“Piloto Automático” y el regreso de la banda

“Chanel” es el adelanto de “Piloto Automático”, el cuarto álbum de estudio de Ciegossordomudos, que será lanzado en mayo de 2026.

Este proyecto marca un momento clave en su regreso, luego de retomar actividades en 2025. Su presentación en el Festival Cordillera reafirmó su impacto en vivo y su conexión con nuevas audiencias.

Para el segundo semestre de 2026, la banda prepara una gira por los principales festivales del país, con la que busca llevar esta nueva etapa a distintos escenarios.

Además, proyectan para inicios de 2027 el lanzamiento de una edición especial de grandes éxitos, consolidando una etapa que conecta su legado con el presente.

Créditos de “Chanel”

Autores y compositores: José Manuel García, Alejandro Gómez-Cáceres
Productor: José Manuel García
Ingenieros de grabación: Diego Amorocho, Camilo Montilla
Asistente de grabación: María A. Romero Franco
Ingeniero de mezcla y máster: Mateo Camargo
Sello discográfico: Gaira Música Local

Quiénes son Ciegossordomudos

Ciegossordomudos es un power trío bogotano formado en 1994 por Jota García, Alejandro Gómez-Cáceres y Pablo Bernal. La banda es considerada uno de los proyectos más influyentes del rock colombiano, destacándose por su sonido original y su impacto en la escena alternativa nacional.

Tras varios años de pausa, regresaron en 2025 a la actividad creativa, manteniendo la esencia que los convirtió en referente del género.

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Mari La Carajita De Locos es la nueva apuesta musical de la artista venezolana Mari La Carajita, quien presenta un tema cargado de ritmo, sensualidad y una energía que conecta desde la primera escucha.

Con este lanzamiento, Mari La Carajita De Locos se posiciona como una propuesta fresca dentro de la música latina contemporánea, explorando sonidos modernos y una identidad artística cada vez más sólida.

Un sonido envolvente que invita a bailar

El sencillo Mari La Carajita De Locos destaca por su base rítmica hipnótica y una producción que mezcla elementos urbanos con una vibra bailable y veraniega.

Desde sus primeros segundos, la canción invita a dejarse llevar por el ritmo, generando una experiencia sensorial que combina movimiento, emoción y conexión.

La propuesta sonora de Mari La Carajita De Locos logra capturar la esencia de esos momentos espontáneos donde la música se convierte en el lenguaje principal.

Una historia de química y atracción

En Mari La Carajita De Locos, la narrativa gira en torno a la química inesperada entre dos personas, explorando el magnetismo que surge en encuentros marcados por la música y la sensualidad.

La canción desarrolla una atmósfera envolvente que conecta con experiencias universales, convirtiéndola en un tema cercano para distintas audiencias.

Una identidad artística en evolución

Con Mari La Carajita De Locos, la artista continúa consolidando su presencia dentro de una nueva generación de propuestas femeninas en la música latina.

Su interpretación aporta una presencia magnética que refuerza el carácter del tema y evidencia su crecimiento artístico.

Un lanzamiento acompañado de propuesta visual

El estreno de Mari La Carajita De Locos llega junto a un video visualizer que complementa la estética del sencillo.

La propuesta visual presenta una atmósfera sensual y playera que resalta el espíritu veraniego de la canción, alineándose con la energía del tema.

Proyección internacional

El lanzamiento de Mari La Carajita De Locos representa un paso importante en la expansión de la artista hacia nuevos públicos.

Su propuesta busca trascender fronteras, conectando con audiencias diversas a través de un sonido contemporáneo y una identidad clara.

Disponible en plataformas digitales

Actualmente, Mari La Carajita De Locos se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, permitiendo a los oyentes acceder fácilmente a este nuevo lanzamiento.

Con este sencillo, Mari La Carajita reafirma su apuesta por una música que mezcla ritmo, emoción y una fuerte conexión con el público.

Una apuesta por sonidos frescos en la música latina

Con Mari La Carajita De Locos, la artista continúa explorando nuevas posibilidades dentro de la música urbana, incorporando influencias modernas y manteniendo una esencia auténtica.

Este lanzamiento refuerza su lugar dentro de la escena actual, consolidando su proyección y su capacidad de generar impacto en la industria musical.

La entrada Mari La Carajita De Locos: nuevo sencillo sensual se publicó primero en Canal Trece.

El artista colombiano Álzate presenta su nuevo sencillo “La Cagué”, una canción que habla de uno de los momentos más humanos en una relación: reconocer los errores.

El tema muestra ese instante en el que el orgullo desaparece y solo queda aceptar el daño causado a alguien importante.

Una historia que nace desde la sinceridad

Con este lanzamiento, Álzate muestra un lado más vulnerable.

La canción cuenta la historia de alguien que entiende demasiado tarde lo que tenía, y que decide pedir perdón aun sabiendo que puede ser tarde. Es una confesión directa, sin excusas, donde el sentimiento es el protagonista.

Una propuesta fiel a su estilo

Fiel a su esencia, el artista vuelve a conectar con el público a través de historias reales.

“La Cagué” refleja situaciones comunes en el amor: equivocarse, arrepentirse y aceptar la culpa. La interpretación intensa y la producción resaltan la carga emocional de la canción.

Un lanzamiento que conecta con el público

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales y promete convertirse en uno de los temas más comentados dentro del repertorio reciente del artista.

Con esta canción, Álzate reafirma su lugar como una de las voces más influyentes de la música popular en Colombia.

La entrada La Cagué de Álzate: significado, letra y lanzamiento 2026 se publicó primero en Canal Trece.

El DJ y productor colombiano DJ Matt presenta “3M”, un nuevo sencillo que une sonidos afro con una historia emocional.

En esta canción participan Wolfy y BigBen, creando una conexión musical entre Colombia y Nigeria a través de ritmos y experiencias compartidas.

El significado de “3M”

“3M” habla de esos vínculos que no terminan del todo.

La canción muestra la historia de dos personas que tienen un pasado en común, donde aún existe química, recuerdos y emociones sin resolver. Es una narrativa cercana que conecta con quienes han vivido relaciones que dejan huella.

Una mezcla de sonidos globales

Musicalmente, el sencillo combina géneros como el afrobeats, dancehall, reggaetón y global beats.

Esta mezcla define el estilo de DJ Matt, quien apuesta por una propuesta versátil que funciona tanto para bailar como para conectar emocionalmente con el público.

La trayectoria de DJ Matt

El artista ha construido su carrera desde joven, rodeado de música, vinilos y producción.

Ha participado en escenarios importantes como el Festival Estéreo Picnic y el Movistar Arena, además de presentarse en ciudades como Nueva York y Miami con plataformas como YouTube y Spotify.

También trabaja como Live DJ y Playback Engineer del artista Hamilton, y ha compartido escenario con figuras como Nicky Jam, Ozuna, Beele y Mr Black.

Un paso más en su proyección internacional

Con “3M”, DJ Matt reafirma su visión de crear música que conecte culturas y trascienda fronteras.

Este lanzamiento lo posiciona como uno de los artistas emergentes a seguir dentro de la escena afro y urbana en Colombia.

La entrada 3M de DJ Matt: significado, colaboración y lanzamiento global se publicó primero en Canal Trece.

El título del disco surge como una onomatopeya del ritmo del tambor chico, uno de los tres instrumentos fundamentales del candombe, ritmo afro-uruguayo que ha marcado profundamente la identidad cultural de Uruguay. Este patrón rítmico, caracterizado por un desplazamiento del acento, genera una sensación sonora particular que, según el artista, rompe con la lógica tradicional del compás.

Un disco inspirado en el presente

Para Drexler, “Taracá” también es una forma de decir “estar acá”, una expresión cargada de significado emocional y territorial. El concepto del álbum gira en torno a la idea de habitar el presente, tanto desde lo musical como desde lo espiritual.

El artista explica que esta conexión con el “aquí y ahora” proviene del trance rítmico del candombe, una herencia africana que ha influido en la cultura uruguaya y que en este trabajo toma un papel protagónico.

Regreso a Uruguay y a sus raíces

El disco representa un regreso simbólico y físico a Uruguay, país donde fue grabado, y donde Drexler reconecta con su historia personal y musical. Tras más de tres décadas viviendo en Madrid, este álbum marca un momento clave en su carrera, coincidiendo con una etapa de transformación personal.

“Taracá” se construye como un puente entre generaciones y territorios, combinando la experiencia del artista con la frescura de nuevos talentos.

Un trabajo colectivo y diverso

Uno de los aspectos más destacados del álbum es su carácter colaborativo. Participan jóvenes músicos y productores uruguayos como Lucas Piedra Cueva, Tadu Vázquez y Facundo Balta, junto a artistas de la escena puertorriqueña como Mauro y Gabo Lugo.

El resultado es un sonido que integra elementos del candombe, la milonga, la murga y la plena, además de influencias contemporáneas que amplían el alcance del proyecto.

Tradición, identidad y exploración sonora

El álbum reúne una amplia variedad de referencias culturales y musicales, incluyendo colaboraciones con artistas como Américo Young, la comparsa La Dominguera, la murga Falta y Resto y la participación de la Selección Uruguaya Sinfónica.

En sus canciones, Drexler aborda preguntas profundas sobre la vida, el amor y la identidad humana, manteniendo su característico enfoque poético y reflexivo.

Un puente entre pasado y futuro

Más que un álbum, “Taracá” se presenta como una experiencia sonora que reivindica el valor de las tradiciones mientras dialoga con el presente. Con este lanzamiento, Jorge Drexler invita a los oyentes a conectarse con el ritmo, la memoria y la emoción.

El artista anunciará próximamente las fechas de su gira por Latinoamérica.

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El disco es liderado por Juan Antonio Carulla, músico, compositor y multiinstrumentista bogotano, quien con este trabajo reafirma su identidad artística. Con tres producciones antes de los 30 años, el artista consolida una propuesta que explora sin restricciones el sonido del rock alternativo latino.

Un álbum inspirado en el rock de los 90

El punto de partida del álbum fue recuperar el espíritu mestizo del rock latinoamericano de los años noventa, con influencias de bandas como Aterciopelados, Juanes, La Derecha y Superlitio.

La obra plantea cómo sonaría una agrupación creada para escenarios como Rock al Parque, uno de los festivales más importantes de música en Colombia.

Una ciudad fantástica como hilo narrativo

El álbum construye una historia que se desarrolla en una ciudad surrealista, donde los elementos cotidianos se transforman. En este universo aparecen tiburones que devoran cables de internet, ratones recicladores en la Plaza de Bolívar y personajes que habitan una Bogotá reinventada.

Esta narrativa convierte a “Si el Tiburón se Come el Cable” en una propuesta conceptual dentro de la escena del rock colombiano independiente.

Fusión de ritmos latinoamericanos

El disco mezcla géneros como cumbia, reggae, merengue, ska, dub, bolero, porro, vallenato, salsa y rock, logrando una sonoridad diversa que dialoga con la tradición musical latinoamericana.

Entre las canciones destacadas se encuentran:

• “Cumbia Suicida”, inspirada en un guayabo de inicio de año.

• “Murciélago”, que retrata a domiciliarios como héroes urbanos.

• “Hapuc (Tu Idioma)”, sobre relaciones a distancia.

• “Estás Pintao”, una crítica a la industria musical.

• “Nadie Sabe Qué Pasó”, con influencias del vallenato.

• “Yo También vi los Cerros Quemarse”, inspirado en incendios en Bogotá.

• “¡Ay Ratón!”, que aborda el reciclaje desde una narrativa simbólica.

Producción y equipo creativo

Las composiciones del álbum son de Juan Antonio Carulla, con producción de Antonio Urdaneta y apoyo en mezcla y máster de Santiago Navas.

En la grabación participaron Jhon López, Andrés Giraldo y Felipe Garay.

El componente visual también es clave en el proyecto: la portada fue desarrollada por Ricardito 2.0, con escenografía de Ana María Londoño y Liliana Acosta, tipografía de Helena Carulla y diagramación de Nefie.

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El tema se caracteriza por una letra directa y una interpretación cargada de emoción, elementos que conectan con la esencia del despecho popular. A través de una narrativa honesta, la canción refleja experiencias comunes y sentimientos reconocibles para el público que sigue este género.

Una interpretación que conecta con el desamor

La fuerza vocal y la química artística de Esteban y Wilson son protagonistas en este lanzamiento. El sencillo evidencia una madurez musical que refuerza su posición como uno de los proyectos emergentes más consistentes del panorama actual.

Según explican los artistas, la canción surge de situaciones reales y busca generar identificación desde lo emocional. El mensaje apunta al dolor que implica una ruptura, pero también a la sensación de alivio que llega cuando se toma la decisión de terminar.

Un dúo en crecimiento dentro de la música popular

Reconocidos como dúo revelación, Esteban y Wilson han construido una propuesta basada en letras sinceras y vivencias cotidianas. Su presencia en plataformas digitales, emisoras y escenarios en vivo ha ido en aumento, respaldada por la respuesta del público.

“Que Se Termine” se suma a una serie de lanzamientos que fortalecen su identidad artística y su capacidad para contar historias que conectan con la audiencia. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, como parte de una estrategia audiovisual que busca ampliar su alcance dentro del género.

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Estrenada bajo el sello AP Global Music, la canción combina melodías envolventes con ritmos afro contemporáneos, dando como resultado una pieza ligera y memorable. La producción estuvo a cargo de Humby y DJ Dari, quienes aportan una base rítmica moderna que dialoga con el pop global sin perder la identidad local del artista.

El lanzamiento de “Yo, Yo, Yo” llega acompañado de un videoclip dirigido por Kevin Ramírez, una producción audiovisual que apuesta por una estética urbana y cotidiana. Las imágenes refuerzan el carácter emocional del sencillo y acompañan su narrativa con escenas dinámicas y cercanas.

Originario de Cartagena, Colombia, OSMAN hace parte de una nueva generación de artistas que fusionan influencias internacionales con sonidos afrocaribeños. Su sencillo anterior, “Amuleto”, ya había evidenciado esta búsqueda creativa a través de una base de afrobeat que celebraba la vida, el amor y la conexión humana.

Con este nuevo estreno, OSMAN continúa consolidando una línea artística coherente y con proyección internacional. “Yo, Yo, Yo” marca el inicio de un nuevo año creativo junto a AP Global Music y posiciona al artista como una de las propuestas emergentes a seguir dentro del panorama del Afro-Pop Latino.

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“Salir Adelante” se destaca por su temática inspiradora, que invita a mantenerse firme en los momentos difíciles, aprovechar las oportunidades y trabajar con constancia para transformar la vida. A través de una letra honesta, la canción conecta con quienes buscan avanzar sin renunciar a su identidad.

La colaboración entre Jesús Hernández y Sebastián Ayala surgió de manera especial y emotiva. Fue una sorpresa organizada por Nico Hernández, hermano de Jesús y director del videoclip, como regalo de cumpleaños para el artista. Este encuentro se convierte en un momento significativo para la carrera del cantante y compositor.

Un videoclip con raíces y superación

El videoclip de “Salir Adelante”, dirigido por Nico Hernández y producido por Musari Films, desarrolla una historia aspiracional basada en la superación personal y el orgullo por las raíces. La narrativa se sitúa en un entorno cercano y familiar, con la presencia de amigos, seres queridos y elementos culturales colombianos como la chiva, símbolo de identidad y tradición.

En el video también se reflejan historias reales de los artistas. Se muestra el pasado de Sebastián Ayala como mecánico, representando el esfuerzo y el trabajo constante, y el de Jesús Hernández como un joven soñador que escribe canciones, imagen que simboliza el inicio del camino hacia sus metas.

Con este lanzamiento, Jesús Hernández y Sebastián Ayala buscan inspirar y demostrar que, con fe, disciplina y perseverancia, siempre es posible salir adelante.

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Con este lanzamiento, Kei Linch continúa el camino iniciado con “Rastros de Rosa”, una obra que puso en primer plano la complejidad de su identidad artística y la conciencia sobre el peso de su propia luz. En “Calibre 22”, la artista explora esa dualidad entre brillo y exigencia, entendida como motor creativo y, a la vez, como reto personal.

La canción se mueve entre la vulnerabilidad y la fortaleza, y plantea una postura de independencia emocional frente a las presiones externas. En sus letras, Kei Linch reflexiona sobre el dolor, la resiliencia y la decisión de darle sentido propio a las experiencias que marcan su camino.

En palabras de la artista, este proceso creativo parte del reconocimiento de su luz, sin instrucciones previas, y de la necesidad de apoyarse en su mejor versión para avanzar. Esa mirada íntima se traduce en una propuesta honesta, donde la música funciona como espacio de catarsis y autenticidad.

“Calibre 22” es el segundo lanzamiento de un nuevo proyecto musical que anticipa lo que Kei Linch presentará en 2026. Con este trabajo, la cantante reafirma que su obra seguirá siendo un territorio para expresar emociones profundas y construir un discurso propio dentro de la escena musical colombiana.

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Un relato sobre nostalgia y retorno

La canción narra la historia de dos personas que se enamoran en una playa. Años después, ella migra en busca de nuevos horizontes y él, desde un lugar de nostalgia, le insiste en volver a ser quien era. El tema se convierte en un llamado a reconectar con los sueños que nacen en la infancia y con aquello que define la identidad.

El mensaje central es contundente: regresar es más difícil que irse, porque implica valentía, humildad y la capacidad de reconocer la belleza que siempre estuvo en el lugar de origen.

Una mezcla entre salsa y sonoridades del Pacífico

Musicalmente, “Vuelve a tu tierra” fusiona la salsa tradicional con texturas del Pacífico colombiano, creando un ambiente emocional y vibrante. La producción estuvo a cargo de Juan Carlos Gaviria González, grabado en Cima Producciones, con la participación del ingeniero de grabación Diego Alejandro Bojorge, mezcla de Germán Rodríguez y masterización de Camilo Silva.

Juancho afirma que su propósito es transmitir “ganas de vivir y bailar”, invitando a quienes escuchan a reconectarse con aquello que los hace felices.

El universo musical de Juancho y La Clave

Detrás del proyecto está Juan Carlos Gaviria “Juancho”, cantante, pianista y multiinstrumentista colombiano. Formado desde niño en Palmira, su recorrido artístico lo ha llevado por Europa y África, donde profundizó en composición, orquestación, pedagogía musical y jazz.

Ha participado en más de 500 festivales de jazz y músicas del mundo, y ha trabajado junto a artistas como Yuri Buenaventura, Amadou & Mariam, Raúl Paz y Herencia de Timbiquí.

Con Juancho y La Clave, explora ritmos afrolatinos, improvisación y atmósferas globales para construir una propuesta que honra las raíces y el viaje artístico de los últimos años.

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Una unión entre dos estilos musicales

“Como el sol” es una composición conjunta entre Piso 21 y Bacilos, con producción de Dim. La letra recurre a metáforas que comparan las relaciones amorosas con fenómenos extraordinarios, como el encuentro entre el sol y la luna. La canción habla de aquellas historias que parecen imposibles, pero que logran unirse para crear algo único.

Para Piso 21, esta colaboración representa un momento significativo en su trayectoria. El grupo destacó que trabajar con Bacilos es un sueño cumplido, debido al legado musical que la agrupación ha construido a lo largo de los años.

Por su parte, Bacilos señaló que la experiencia les permitió acercarse a una nueva generación de creadores, compartiendo procesos y formas de hacer música en la actualidad.

Un video que retrata la complicidad creativa

El videoclip oficial fue grabado en Miami y muestra el proceso creativo detrás de la canción. La pieza audiovisual se centra en la interacción entre ambas agrupaciones, resaltando la espontaneidad y el sentido de familia que surge al componer música en conjunto.

Romanticismo en la nueva etapa de Piso 21

Con este lanzamiento, Piso 21 continúa apostando por letras ligadas al romanticismo. Tras el alcance internacional de “Volver”, la colaboración junto a Marc Anthony y Beele, la agrupación reafirma su propósito de mantener una identidad sonora sensible y cercana.

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El disco, que marca un hito en su carrera, incluye colaboraciones con artistas como Farruko, Ryan Castro, De La Ghetto, Nanpa Básico, Héctor Nazza y Maisak, entre otros. Con esta producción, Hamilton busca consolidar su estilo y abrir camino a la internacionalización del afrobeats hecho en Colombia.

Un álbum con invitados internacionales

Entre los temas destacados se encuentran La Ruta junto a Farruko, Mi Reina con Nanpa Básico, 4 Life al lado de Ryan Castro y Chalala, una colaboración con De La Ghetto. También aparecen canciones como DejaVu, Chamba y Vacío, que muestran la diversidad de sonidos que el artista exploró en este trabajo.

La producción estuvo a cargo de reconocidos nombres de la industria como Daramola, The Prodigiez, Derbeat, Zetto, Maff, Golden, Hake, Flambo, Noize, Jao Beat y Rafa “Eleven”, con mezcla y máster a cargo de Mosty.

Identidad afrocaribeña

Hamilton, de 26 años, nació en Cartagena de Indias y desde allí ha construido una propuesta musical que refleja sus raíces afrocolombianas y su experiencia urbana. Su apodo AfroRockstar se ha convertido en un movimiento que conecta culturas y proyecta un sonido propio desde Latinoamérica hacia el mundo.

Con antecedentes como el EP Los Reyes del Mar y sencillos como A poca luz y El Problema (2020), el artista ya había mostrado su potencial. Ahora, con AfroRockstar, da un paso firme en su ascenso como una de las voces más prometedoras de la música urbana y los afrobeats en Colombia.

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La canción fue escrita por Jayce, Krayan, Nico y Pumba. Habla del deseo de volver al pasado, revivir momentos que podrían haber cambiado el rumbo de una historia de amor. Con una interpretación vocal intensa y una producción que mezcla lo sentimental con lo bailable, “Cómo Sería” se suma a la lista de canciones urbanas que invitan no solo a cantar, sino también a sentir.

Un videoclip cargado de simbolismo

El video oficial fue grabado en un bar de Cali y dirigido por el mismo Pumba Dos Santos. Las imágenes muestran un juego de billar entre amigos, interrumpido por la aparición de una modelo que representa los recuerdos del amor perdido. Cada toma busca reflejar cómo ciertas memorias se quedan presentes, aunque la relación ya no exista.

Proyección internacional y nuevas colaboraciones

Actualmente, Pumba trabaja con Blackvird Music en la promoción del sencillo en Colombia, Venezuela y Estados Unidos. Mientras “Cómo Sería” gana terreno en plataformas digitales, los artistas ya preparan nuevas colaboraciones que seguirán consolidando su presencia en la escena urbana.

La entrada Pumba Dos Santos y Brokix exploran el desamor en “Cómo Sería” se publicó primero en Canal Trece.

Con un ritmo alegre y contagioso, el tema propone una mirada más ligera ante los conflictos del día a día. La canción surge como una respuesta al exceso de seriedad, sobreinformación y ansiedad, con un mensaje claro: no todo debe tomarse tan en serio.

“Nada Es De Verdad celebra esa ligereza que a veces necesitamos para seguir adelante”, expresó Alex Cuba al hablar del nuevo lanzamiento.

Alex Cuba es un artista cubano-canadiense que ha ganado múltiples Latin Grammy y un Grammy anglosajón. Su estilo combina influencias latinas, africanas, funk, jazz y pop, y ha trabajado con artistas como Nelly Furtado.

Bacilos, por su parte, es una de las bandas más representativas del pop latino. Su trayectoria se consolidó con el Grammy obtenido por Caraluna (2002), y desde su regreso en 2017, han seguido explorando nuevas sonoridades, como en su reciente álbum Pequeños Romances (2024).

La entrada Alex Cuba y Bacilos presentan “Nada Es De Verdad” se publicó primero en Canal Trece.

Sirenita habla del tipo de amor que, a pesar de tener otras opciones, decide quedarse, bailar y construir algo duradero. Con esta canción, Ozuna transmite la idea de que el amor verdadero es como encontrar una sirena en el océano: raro, mágico e inolvidable.

Musicalmente, el tema se apoya en un beat fresco, sonidos tropicales y la voz característica de Ozuna para crear una atmósfera envolvente. Es una canción que invita tanto a bailar como a dejarse llevar por los sentimientos.

Un videoclip con estética marina y fantasía tropical

El video oficial de Sirenita ya está disponible en YouTube. La producción audiovisual transporta al espectador a paisajes paradisíacos con una estética que mezcla elementos marinos y un universo de fantasía tropical.

Con colores vibrantes y una puesta en escena cuidada, el videoclip refuerza el mensaje de la canción: estar con alguien que te haga sentir en un lugar seguro y mágico.

Este lanzamiento marca una nueva etapa para Ozuna, quien continúa explorando nuevas propuestas musicales sin perder su esencia. Reconocido por temas como Taki Taki, Caramelo y Se Preparó, el cantante reafirma su posición en la escena de la música latina.

La entrada Ozuna presenta Sirenita, una canción con ritmo tropical y mensaje romántico se publicó primero en Canal Trece.

El lanzamiento se da tras 13 años de pausa discográfica, y muestra a una Fanny Lu renovada, con un mensaje de resiliencia y alegría. El álbum ha generado expectativa con los dos primeros sencillos: “La Mujer Que Soy”, una declaración de identidad, y “Me Gustan los Hombres”, una colaboración con Ana del Castillo que combina ritmos caribeños y una visión fresca de la femineidad.

Un álbum íntimo y poderoso

Producido por Jose Gaviria, quien ha trabajado con Fanny Lu desde sus inicios, Una Vida Bien Vivida fue grabado en su mayoría en los estudios Casablanca de Miami. El álbum mezcla baladas con pop tropical y tiene un enfoque íntimo, donde cada canción narra un proceso de sanación, empoderamiento o reflexión.

Estas son las 10 canciones del álbum:

1. La Mujer Que Soy

2. Me Gustan los Hombres (feat. Ana del Castillo)

3. Quédate Por Siempre (feat. Carlos Baute)

4. Señor Bendito (feat. Olga Tañón)

5. Ahora Me Río

6. Carta a Mí

7. Adán y Eva

8. Una Vida Bien Vivida (feat. Bacilos)

9. Brindo por la Vida

10. Ego

El focus track, “Ahora Me Río”, es descrito por Fanny Lu como un himno de liberación. “Es una canción para levantarnos de nuevo y ver el pasado con una sonrisa en la cara. Tiene la energía de alguien que sobrevivió, sanó y ahora brilla sin pedir permiso”, afirma la cantante.

Dos décadas de música

Este nuevo álbum no solo marca su regreso, sino que también celebra dos décadas de carrera artística. Fanny Lu agradece a sus seguidores por acompañarla durante este tiempo y destaca que este proyecto nace desde el alma y desde todo lo que ha vivido.

“Una Vida Bien Vivida es para todos los que han caído, se han levantado y siguen adelante con una sonrisa”, compartió la artista.

Con esta producción, Fanny Lu reafirma su lugar en la música latina, con letras que inspiran y una propuesta sonora que mezcla su estilo tradicional con una visión más madura. Su regreso no solo habla de música, sino de crecimiento, resistencia y autenticidad.

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Una mirada romántica al encierro

La canción, producida por Golden (productor nominado dos veces al Grammy), parte de una idea poco común: convertir los días del confinamiento en un escenario ideal para el amor. Frases como “vámonos a encerrar, 2020” resignifican el aislamiento, esta vez como excusa para estar juntos sin distracciones.

“El Problema (2020)” toma como base el afrobeat, sonido que Hamilton ha llevado a nuevas audiencias, y lo mezcla con elementos urbanos y melodías suaves. El resultado es un tema que suena fresco, pero cargado de emociones que marcaron a una generación entera.

Colaboraciones que suman

El videoclip oficial, ya disponible en YouTube, cuenta con la participación de Karen Cano, creadora de contenido con más de un millón de seguidores en Instagram. La pieza audiovisual fue dirigida por Ronny Xavier y forma parte del universo estético del #AfroRockstar.

Una carrera en ascenso

Hamilton se ha convertido en uno de los principales referentes del afrobeat en Colombia. Su estilo ha sido respaldado por colaboraciones con figuras como Ryan Castro, Justin Quiles, Lenny Tavárez, Nanpa Básico y De La Ghetto, consolidando su presencia en la escena nacional e internacional.

¿Dónde escucharla?

“El Problema (2020)” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Con una letra directa, un coro pegajoso y una producción que mezcla lo moderno con lo nostálgico, este sencillo promete convertirse en uno de los temas más destacados del año.

Escúchala, disfrútala y deja que el 2020 vuelva, pero esta vez, con ritmo y amor.

La entrada Hamilton revive el 2020 con una canción de amor al estilo afrobeat se publicó primero en Canal Trece.

Un relato íntimo y una producción visual conmovedora

Beéle compartió que “I Miss You” es una canción muy personal que busca acompañar a las personas en el difícil proceso de extrañar a alguien. El videoclip, dirigido por Martin Seipel y protagonizado por la influencer venezolana Isabella Ladera, potencia el mensaje de la canción al presentar una historia visual cargada de nostalgia.

La entrada Beéle estrena su sencillo «I Miss You», una emotiva balada de Afro-Pop se publicó primero en Canal Trece.

Sobre el sencillo

Bajo la producción artística de Martín “Moska” Lorenzo y Mariano Franceschelli de Los Auténticos Decadentes, el sencillo se destaca por su melodía pegajosa y con el estilo marcado de Karina. Por su parte, el videoclip dirigido por Balti Sánchez, proyecta una historia de amor y desamor con la energía del barrio, lo que aporta un toque visual perfecto para la narrativa de la canción. 

Gira y próximos conciertos

“Premios Caligaris – El Barrio de Gala” es la gira que está realizando el grupo con la cual han podido llegar a importantes escenarios argentinos. Algunas de sus fechas recientes son: 

• 27 de septiembre en Sala de Las Artes, Rosario.
• 28 de septiembre en el festival Vivimos Música en Buenos Aires.
• 5 de octubre en Quality Arena, Córdoba.
• 26 de octubre en Arena Maipú, Mendoza.
• 27 de octubre en Predio West, Río Cuarto.

Por otro lado, la banda se prepara para presentarse en el Teatro Coliseo de Santiago de Chile el próximo 25 de octubre.

Próximas fechas

• 5/10, Quality Arena, Córdoba, Argentina.
• 19/10, Centro de Eventos Centauro Medellín, Colombia.
• 25/10, Teatro Coliseo, Chile.
• 26/10, Arena Maipú, Mendoza, Argentina.
• 27/10 Predio West, Río Cuarto, Argentina.

La entrada Los Caligaris lanzan nueva colaboración con Karina se publicó primero en Canal Trece.

“Palmera Nights” mucho más allá de ser una continuación narrativa es, según Drea, una plataforma para expresar sus opiniones y mostrar la atmósfera nocturna con la que se siente cómoda “Palmera Nights porque en la noche salen los animales a cazar, criaturas nocturnas que viven diferente a las demás. La conexión con la naturaleza siempre ha sido y será un aspecto importante de mi personalidad porque me mantiene conectada con lo esencial y algo que plasmé a lo largo del Proyecto. Esta es mi manera de contar como cuando las cosas alrededor nuestro no cambian, somos nosotros los que tenemos que cambiar, así empieza la noche.”

El corazón de “Palmera Nights”

El focus track del álbum es «No Lonely», una canción personal y representativa del amor propio de Drea “Recordar que así estemos en la oscuridad absoluta, solo nosotros podemos ser nuestras lunas. Que tenemos que ser nuestro amor más importante.”

Videoclip de «No Lonely»

Dirigido por el cineasta francés Guillaume Durand, este videoclip es conceptualizado como un momento suspendido en el tiempo. Con esta pieza visual, Drea, se muestra más sincera que nunca y proyecta la intimidad y autenticidad de la canción de una manera única. 

La entrada Drea Dury presenta su nuevo álbum: “Palmera Nights” se publicó primero en Canal Trece.