Los artistas Jesús Hernández y Sebastián Ayala presentaron «Salir Adelante», un tema urbano inspirado en superación personal, disciplina y orgullo por las raíces.

Sobre el sencillo Salir Adelante

Salir Adelante destaca por su temática inspiradora. La letra invita a mantenerse firme ante los desafíos, aprovechar oportunidades y trabajar con constancia para transformar la vida. El mensaje central gira en torno a la superación personal sin perder la esencia ni las raíces culturales.

La unión artística entre Jesús Hernández y Sebastián Ayala surgió de manera especial: fue concebida como una sorpresa y un momento significativo tanto para los músicos como para su equipo creativo, lo que añade un carácter emocional al lanzamiento.

Mensaje y significado del tema

Con «Salir Adelante», Jesús Hernández y Sebastián Ayala buscan inspirar a sus seguidores a enfrentar desafíos con fe, disciplina y perseverancia, mostrando que es posible avanzar y alcanzar metas con dedicación y conexión con lo propio.

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El cantautor colombiano Pio Perilla presenta “No Me Hace Bien”, un sencillo que sigue revelando el camino introspectivo y emocional que dará forma a su próximo álbum.

La canción nace de un proceso personal en el que el artista reflexiona sobre aquellas situaciones, relaciones y pensamientos que, aunque familiares, dejan de aportar bienestar. A través de una narrativa honesta y vulnerable, Pio aborda ese momento clave en el que se reconoce que algo ya no suma, y se toma la decisión consciente de priorizar la salud emocional y la coherencia interna.

Desde lo lírico, “No Me Hace Bien” funciona como una conversación interna: una lucha entre la costumbre y la necesidad de cambio. La canción explora la dificultad de soltar, pero también la valentía que implica elegir lo que realmente conecta con nuestra esencia. Es un tema que habla de límites, de autoconocimiento y del proceso de crecimiento que implica alejarse de lo que no nos construye.

En lo sonoro, el sencillo mantiene una atmósfera íntima que acompaña la carga emocional del mensaje, reforzando la cercanía con el oyente y consolidando el concepto artístico que Pio ha venido desarrollando en esta nueva etapa.

Con este lanzamiento, Pio Perilla continúa hilando la historia de un álbum que promete ser profundamente personal, donde cada canción representa una pieza del rompecabezas emocional que compone su presente creativo.

 

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El cantautor mexicano Caloncho regresa a la escena musical con su más reciente sencillo titulado “Mangos”, una propuesta sonora que mantiene su estilo cálido y relajado, pero con una energía renovada que le da un giro vibrante al indie pop que lo caracteriza.

“Mangos” llega acompañado de un videoclip dirigido por Bernardo de Anda, que capta visualmente la dualidad del tema: calma y movimiento. En el video, Caloncho aparece en un paisaje de desierto junto al mar, sentado con una canasta de mangos, alternando escenas contemplativas con secuencias de acción donde recorre caminos abiertos en una trimoto. Esta transición visual acompaña la intensidad creciente de la canción, desde la serenidad hasta momentos más potentes y dinámicos

Musicalmente, la canción combina una base rítmica vivaz con líneas de bajo definidas y melodías brillantes, manteniendo la cadencia relajada que los seguidores del artista han llegado a reconocer, pero sumando una guitarra con ligero toque rockero que enriquece la propuesta.

“Mangos” ya está disponible en todas las plataformas digitales y se perfila como un adelanto de la etapa creativa que Caloncho continuará explorando. La publicación del sencillo también coincide con una de sus próximas presentaciones en vivo, fortaleciendo su presencia en la escena musical latinoamericana.

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Este trabajo discográfico nace del deseo de preservar y compartir una herencia cultural construida a partir de cantos, juegos, relatos, mitos, leyendas y saberes transmitidos de generación en generación. A través de arrullos, cantos de trabajo, juegos cantados, vaquería, cantos de velorio y una canción original, Aida Bossa canta, cuenta y baila fragmentos de una oralidad caribe que se resiste a desaparecer.

Un álbum atravesado por la memoria personal y colectiva

“Que No Muera La Tradición” dialoga de manera directa con la historia personal de la artista. Su infancia en Bolívar, los viajes al pueblo familiar, las madrugadas en la finca de su abuelo, los cantos de vaquería de los jornaleros y los juegos cantados en patios, calles y parques, se entrelazan con los recuerdos de su adolescencia en el barrio El Cabrero, en Cartagena.

A esta experiencia vital se suma una influencia académica y artística clave: el encuentro con la investigación del etnomusicólogo George List, Música y poesía en un pueblo colombiano, realizada en los años 60 en Evitar, Bolívar. Este trabajo reavivó en la artista la necesidad de volver al canto como un acto de memoria, resistencia cultural y transmisión de saberes.

 

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La infancia como eje de la tradición oral

El álbum es también un homenaje a la infancia en todas sus etapas, desde el nacimiento hasta la muerte. En sus canciones se escuchan las voces de madres, abuelas y abuelos arrullando, el canto de los niños al jugar y los cantos rituales de los velorios de angelitos, entendidos como parte fundamental del ciclo de la vida dentro de la tradición oral caribe.

“Quise hacer este álbum para hacer memoria de la tradición oral del Caribe colombiano, esa que nutrió mi identidad y que me ha sostenido toda la vida, incluso durante los 32 años que he vivido fuera del Caribe. Cantarla hoy es una forma de agradecer, de volver a casa y de asegurar que esta herencia viva no muera”, afirma Aida Bossa.

El lanzamiento oficial de “Que No Muera La Tradición” se realizará durante La Carnavalada, el domingo 15 de febrero, en pleno Carnaval de Barranquilla, un evento que rinde homenaje a la tradición popular y al patrimonio cultural, reforzando la apuesta artística de Aida Bossa por la memoria, la oralidad y la transmisión de saberes ancestrales.

Tracklist: memoria cantada“Que No Muera La Tradición”

El álbum está compuesto por 13 piezas que recorren distintos momentos de la vida y la tradición oral:

Va a cagá – Juegos de infancia narrados desde la memoria del señor Rodrigo Ballesta.

La Marisola – Juegos cantados y bailados que evocan las tardes eternas de la niñez.

Plátano maduro – Cantó presente en siembras, celebraciones y velorios.

Píndaro y el florón – Arrullo y juego infantil que mezcla canto y movimiento corporal.

Alegría ri Palenque – Canto original dedicado a las palenqueras, guardianas de saberes ancestrales.

La Guacamaya – Canto de trabajo que exalta la relación entre el campesino y la naturaleza.

Santo del día – Canto de velorio en homenaje a las cantadoras y cantadores de bullerengue.

Ke bo ta asé – Registro sonoro de una conversación con una palenquera en Mahates, Bolívar.

Azúcar, el loro y la lora – Canto de velorio de angelito y canto de trabajo.

La viudita – Canción de origen español reinterpretada por comunidades afrodescendientes.

Calabazo – Juego tradicional del sur de Bolívar.

Vaquería – Homenaje al vaquero y a un oficio en vía de desaparición.

Rorro – Arrullo junto al maestro Catalino Parra, fundador de los Gaiteros de San Jacinto.

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La canción narra la historia de un hombre que se enamora de una mujer que ya tiene pareja, pero que, a su juicio, no recibe el trato que merece. A través de una letra directa y emocional, Andy Rivera plantea la posibilidad de una relación diferente, basada en el respeto, la estabilidad y la idea de un futuro mejor.

Desde lo musical, “Tiene Novio” combina ritmos urbanos con una melodía fácil de recordar. La producción evoca los sonidos con los que el artista inició su carrera, manteniendo su sello de urbano romántico, pero con una interpretación más íntima y madura.

Una canción que conecta con la experiencia emocional

El sencillo también dialoga con una realidad común entre sus seguidores: el deseo de ocupar un lugar que ya pertenece a otra persona. La canción se convierte en una voz para quienes viven el conflicto del amor imposible, la espera y la esperanza de ser elegidos en algún momento.

Con este lanzamiento, Andy Rivera reafirma su evolución musical y su vigencia dentro de la escena urbana colombiana y latinoamericana. El tema se presenta como un nuevo capítulo en su carrera, ahora bajo el respaldo del sello Rimas Music.

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La creación de este sencillo surgió durante un campamento musical donde ambos artistas coincidieron. La energía creativa del espacio llevó a Juanse a sumarse a la propuesta sin dudarlo, lo que permitió una colaboración que refuerza la esencia rítmica del tema.

La relación artística entre ambos no es nueva. Juanse Navarro también fue compositor de “Una así”, lanzamiento previo de Jay Torres, fortaleciendo una conexión musical que aporta autenticidad y ayuda a consolidar la presencia del artista puertorriqueño dentro del género urbano.

“Llégale” representa el cierre de un año importante para Jay Torres, quien continúa expandiendo su carrera en la escena latina. El artista busca acercarse a nuevos públicos en Latinoamérica mientras proyecta un 2026 con múltiples proyectos actorales tanto en Colombia como en Estados Unidos.

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Un productor que emerge desde la cabina

Aunque seguirá acompañando a Feid en tarima, Sebaxxss abre un capítulo donde su trabajo como productor toma protagonismo. Su objetivo no es convertirse en cantante, sino traducir en sonido la experiencia acumulada tras años leyendo públicos y noches. El artista prepara su álbum debut para 2026, un proyecto que ha desarrollado durante dos años y que reunirá voces emergentes de distintos países de Latinoamérica.

“Mujeres”: un lenguaje emocional del reggaetón

La propuesta detrás de “Mujeres” se basa en una idea que Sebaxxss ha reafirmado a lo largo de su carrera: el DJ como intérprete emocional de la noche. Según él, no se trata solo de mezclar música, sino de comprender la energía del público y moverla con intención. Esa mirada se convierte en el eje de este lanzamiento, donde el reggaetón adquiere un tono más íntimo y sensible.

El sencillo explora un sonido que equilibra sensualidad, energía y elegancia, proponiendo una estética nocturna que evita los excesos para centrarse en las emociones que quedan después de la fiesta. Sebaxxss lo define como “un reggaetón que siente” y como una carta abierta a la fuerza femenina que sostiene y transforma los espacios nocturnos.

Un homenaje a Medellín

“Mujeres” también es un tributo a Medellín, ciudad que ha moldeado la identidad sonora del productor. Trabajado junto a Jhay P, el tema conecta los orígenes de ambos artistas con una visión contemporánea de la música urbana. Este lanzamiento marca el punto de partida del universo musical que Sebaxxss desarrollará durante 2026.

Un DJ paisa con impacto internacional

La carrera del productor se ha expandido más allá del continente. En 2024 debutó en Europa con presentaciones en Ibiza, Berlín, Madrid y Milán, y además se convirtió en el primer DJ de reggaetón en tocar en Medio Oriente, con shows en Doha y Dubái. Su capacidad para llevar la esencia latina a nuevas audiencias respalda esta nueva etapa como creador sonoro.

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Según Elkno, esta canción nace de esos momentos que se vuelven inolvidables “porque le metimos corazón en exceso”, una frase que refuerza la intención íntima detrás del lanzamiento.

Un cierre de año para su crecimiento artístico

Después del éxito viral de “Poesía Moderna – Remix” junto a Andy Rivera, Elkno continúa consolidándose como una figura destacada en la escena urbana del país. Su sencillo más reconocido, “Comerte a Besos”, superó las 10 millones de reproducciones orgánicas y se convirtió en tendencia en plataformas como TikTok e Instagram.

El artista describe su nuevo lanzamiento como un tema versátil y memorable. “Este tema es para escuchar en cualquier mood; tiene algo que se te queda desde el principio”, afirma Elkno.

El sonido que caracteriza a Elkno

Con “Mi Infierno, Mi Cielo”, el cantante reafirma su propuesta musical: una mezcla entre afrobeats y reguetón que le ha permitido destacarse. Su crecimiento no solo se refleja en reproducciones, sino también en cómo ha logrado conectar con diversas audiencias desde Medellín, su ciudad natal.

“Manejese bien y si se van a manejar mal, me llama”, dice con su estilo característico al presentar esta nueva etapa musical.

Trayectoria y evolución del artista

Con más de seis años de trayectoria, Elkno ha construido un camino sólido con temas como “Más Raro Ma”, “DABA” y “Track 44”. En 2024, su carrera se impulsó con “Comerte a Besos”, cuyo remix junto a Ryan Castro y Blessd alcanzó el #1 en tendencias de YouTube Colombia y entró al Top 50 de varios países de Latinoamérica.

Además de su rol como intérprete, Elkno también ha destacado como compositor en la música popular. Ha escrito canciones como “Mamá Perdón” y “Juré” de Jhon Alex Castaño, y “Dios Me Dijo” de Julián Daza, demostrando su versatilidad en distintos géneros.

Actualmente, registra más de 1 millón de oyentes mensuales en Spotify y supera los 11 millones de visitas en su canal de YouTube. Su sonido propio continúa expandiéndose, como lo reflejó recientemente en su colaboración “Miedo al amor” junto a Miguel Bueno.

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La canción llega acompañada de un videoclip rodado en Nueva York, donde se desarrolla una narrativa visual que complementa la historia musical. Esta producción busca retratar la naturalidad y la fuerza de los sentimientos que aparecen cuando las personas se permiten vivir el presente.

Una historia inspirada en la libertad de sentir

Según explica el artista, “Moments” nació del deseo de capturar la belleza de dejar que las cosas fluyan. Mousix señala que vivimos en un contexto donde todo parece urgente y requiere definición inmediata, por lo que la canción se convierte en un recordatorio de que muchas historias empiezan con gestos espontáneos y sin expectativas.

La letra traza un recorrido desde un encuentro casual hasta el reconocimiento de una conexión emocional valiosa. A lo largo del relato, los días y las noches se entrelazan mientras se revelan las emociones que alimentan un amor que crece de manera orgánica.

Producción musical y narrativa audiovisual

Compuesta por Mousix, la canción fue producida, mezclada y masterizada por Alou Productions en Melbourne, Australia. Su sonido acompaña la intención emocional del proyecto, destacando la sensibilidad de los momentos cotidianos.

El videoclip, dirigido por Mateo Gonzales, sigue a una pareja durante una cita en Nueva York. La producción cuenta con la participación de la actriz estadounidense Julia Jack, quien aporta una presencia clave en el desarrollo de la historia. El recorrido culmina en una terraza en West New York al atardecer, un espacio que simboliza la esperanza y la intimidad presentes en el mensaje de la canción.

El trabajo de Gonzales aporta una estética cinematográfica, respaldada por su experiencia en producciones como Blue Bloods (CBS), The Deuce (HBO), Modern Love (Amazon), Power (STARZ), Shades of Blue (CBS), además de largometrajes como Cabrini y Guns Up.

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Un sonido orgánico con raíces latinas

“American Dream” fue producida por Camilo Patiño y Roberto Restrepo, integrantes de La Toma, en Sanz Estudios (Medellín). La masterización estuvo a cargo de Jairo Sanz, quien también trabajó una versión en Dolby Atmos.

La propuesta sonora se basa en la salsa dura setentera, con instrumentos orgánicos y un estilo que recuerda los años en los que el género creció entre comunidades latinas en Estados Unidos. La letra aborda situaciones cotidianas del migrante y la dualidad entre alegría y sacrificio.

Un relato inspirado en la experiencia personal

Daniela vivió siete años en Estados Unidos y convierte esa experiencia en una pieza que resume emociones como el agradecimiento, la lucha y la transformación personal. Su frase “¿Sueño americano? ¡Insomnio más bien!” resume el enfoque crítico y a la vez festivo que propone en este lanzamiento.

La artista resalta que el tema invita a bailar lo vivido, reconociendo que la migración puede ser tan retadora como enriquecedora.

Una nueva voz femenina en la salsa dura

Daniela Gaudete se posiciona como una voz femenina llamativa dentro de la salsa, un rol poco común en la escena actual. Su estilo se caracteriza por mantener una línea orgánica y honesta, conectada con la espiritualidad y la tradición salsera.

La artista ha compartido escenario con figuras como Fruko, Jhonny Colón y Frankie Vázquez, en espacios como el Parque Simón Bolívar en Bogotá y el Museo de la Salsa en Cali.

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El lanzamiento marca el comienzo de una etapa especial para la artista, quien también se prepara para asistir a los Latin Grammy 2025 en Las Vegas, donde su álbum “Underwater” compite en la categoría Mejor Álbum de Música Urbana. Este proyecto, compuesto por 19 canciones, ha sido reconocido por medios especializados como uno de los discos más destacados del género lanzados en 2024.

“Bebiembre” hace parte de su próximo disco titulado “Música para bailar”, que verá la luz la próxima semana. En este trabajo, Fariana continúa explorando sus raíces y la riqueza de los ritmos latinos, incluyendo temas como “No Te Borro”, su reciente éxito que rindió homenaje al legado del icónico Joe Arroyo.

Con esta nueva producción, la cantante reafirma su versatilidad artística y su conexión con la herencia cultural que inspira su música. El lanzamiento de “Bebiembre” no solo celebra la llegada de las festividades, sino también el crecimiento y proyección internacional de una de las voces más influyentes del panorama musical urbano actual.

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En la letra se destaca la espontaneidad de un encuentro nocturno, donde la química surge sin necesidad de explicación. El resultado es una propuesta que combina sensualidad y frescura, marcando un momento importante en la evolución musical de los dos intérpretes.

Dos voces de la nueva generación urbana

10qui ha construido una identidad artística basada en la versatilidad, con letras que conectan con experiencias cotidianas y emociones cercanas al público joven.

Por su parte, Miky La Sensa se ha caracterizado por un estilo auténtico, un flow particular y una exploración constante de nuevos sonidos dentro del género urbano.

Ambos comparten la intención de expandir su música hacia nuevos territorios y consolidar un sonido propio dentro de la escena contemporánea en Colombia.

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Una nueva etapa en su música

“Dónde y Cuándo” retrata el encuentro con un amor inesperado, ese que llega sin aviso y transforma todo. En la letra, Dayanara expresa que no siempre creyó en la posibilidad de enamorarse nuevamente, pero esta canción abre la puerta a una visión más esperanzadora del amor.

El sencillo mantiene la identidad artística de Dayanara, combinando elementos del pop con matices del sonido regional latino, una fórmula que ha sido clave en su conexión con el público en varios países de América Latina.

Presencia en escenarios y consolidación artística

Dayanara continúa fortaleciendo su presencia en la música latina. Tras una gira por diversos países, su propuesta ha logrado ampliar audiencias, posicionándola como una voz relevante dentro de su género.

Como parte de esta nueva etapa, la artista regresará a los escenarios en Colombia el próximo 14 de noviembre, con una presentación en Mezcal Cantina, donde compartirá “Dónde y Cuándo” junto a los éxitos que han acompañado su trayectoria.

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Un encuentro entre generaciones

La colaboración nace como un diálogo entre experiencias compartidas. Tiempo al Tiempo aborda la idea de sanar sin resentimientos, reconocer los procesos personales y agradecer aquello que permitió crecer. La canción combina elementos de afrobeats y reguetón, dando como resultado un sonido urbano cercano y emocional.

En palabras de Goyo:

“Me llena de orgullo ver a artistas como Ysa C abriéndose camino con autenticidad, talento y propósito. Las puertas que abrimos valen la pena cuando otras mujeres afrolatinas también pueden pasar por ellas”.

Por su parte, Ysa expresó que grabar junto a Goyo representa un momento significativo en su carrera:

“Ser mujer, ser negra, ser artista… y poder hacerlo al lado de quien me inspiró a serlo, no tiene precio”.

La representación como camino artístico

Más allá de la colaboración, Tiempo al Tiempo destaca el valor de la representación en la industria musical. Este encuentro entre dos mujeres afrolatinas colombianas amplifica voces, historias y estéticas que históricamente han sido subrepresentadas, abriendo nuevos espacios dentro de la escena urbana.

Un año clave para Ysa C

El sencillo llega en un momento de consolidación para la artista, quien ha desarrollado un recorrido constante con canciones como Puntos Suspensivos, Úsame (junto a LiL CaKe), Me Perdí (con Hamilton), Cúrame (junto a Alexis Play) y NoNoNo. Su propuesta se caracteriza por letras personales y sonoridades que dialogan con el pop urbano y las influencias afro.

La entrada Lo nuevo de Ysa C: Tiempo al Tiempo junto a Goyo se publicó primero en Canal Trece.

Un mensaje sobre bienestar y conciencia personal

Tostao explica que la inspiración llegó tras escuchar conversaciones en el podcast Se Regalan Dudas y observar dinámicas que ocurren todos los días en redes sociales. El artista buscó crear una canción que funcionara como un recordatorio para “leer” las emociones y entender cuándo es necesario detenerse, avanzar o sanar.

La canción no parte de una experiencia individual, sino de situaciones comunes que atraviesan muchas personas. En palabras del artista, es una forma de motivar a quienes necesitan reconocer sus procesos internos.

La voz de Lafér se suma a la propuesta

Por su parte, Lafér, artista ocañera con más de once años de trayectoria en el R&B, el soul y el rock, aporta una interpretación que resalta la sensibilidad y la fuerza emocional del tema. La cantante comparte que reencontrarse con Tostao en esta colaboración es significativo, pues ambos trabajaron juntos años atrás en ChocQuibTown.

Lafér resalta que hablar de amor propio no siempre es sencillo, ya que es un proceso que se construye a partir de la experiencia: “Queremos decirle a la gente que no está sola y que si necesita una palabra de aliento puede encontrarla en esta canción”.

Sonidos que se conectan con el Caribe y el movimiento

“Amor Propio” combina elementos del reparto y el afrobeat, estilos que aportan ritmo y energía, sin dejar de lado la intención emocional de la letra. La composición estuvo a cargo de Tostao, Lafér, Mateo Morales y Saga White Black.

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Un tema inspirado en el amor y la distancia

Según Soley, esta canción tiene un profundo significado emocional en su vida.

“Es una canción muy personal que, cada vez que la escucho, me transporta a ese sentimiento de extrañar a mi pareja. Es una canción que amo, muestra otra faceta de mí. Además es algo que siempre soñé: tener una canción con Nanpa”, expresó la artista.

Para Soley, este lanzamiento significa uno de los momentos más importantes de su carrera, pues representa la unión de dos universos musicales que conectan desde la sensibilidad y la palabra.

El video de “La luna me dijo”

El video oficial fue grabado en Medellín y presenta una estética clásica donde la luna se convierte en testigo del relato emocional entre los artistas. La imagen toma como referencia la estética de Brigitte Bardot, integrando elementos visuales como pañuelos, vestidos ajustados y una paleta de colores en blanco, negro y rojo, evocando el estilo Riviera sensual.

La puesta en escena acompaña la intención del tema: un romance que persiste, se recuerda y se confiesa en silencio.

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Un artista entre Medellín y Suiza

Nicolás Herzig, conocido como Loco Escrito, nació en Medellín y creció en Suiza, país donde desarrolló una trayectoria musical destacada interpretando en español, logrando así conectar con un público que no comparte su idioma materno.

Su carrera tomó un rumbo definitivo después de un accidente de moto en 2015. Este hecho lo llevó a replantear su vida y su enfoque artístico. Fue con su álbum “Estoy Bien” que consolidó una etapa de crecimiento personal y profesional, destacándose con canciones como “Sin Ti”, que tuvo gran impacto en Portugal, y posteriormente con sencillos como “Adiós” y “Punto y Ámame” dentro de la escena musical suiza.

Reconocimientos en la escena musical suiza

A lo largo de su trayectoria, Loco Escrito ha obtenido más de siete discos de oro y cuatro de platino. Además, se convirtió en el primer artista en ganar el premio a Mejor Canción del Año en Suiza en tres ocasiones consecutivas. También recibió el MTV Europe Music Award como Mejor Artista Suizo, posicionándose como una voz influyente dentro de ese país.

“Colibrí” y su llegada a Latinoamérica

“Colibrí” fue escrita por el compositor Bull Nene junto a Loco Escrito en Suiza. Con este lanzamiento, el artista busca ampliar su conexión hacia Latinoamérica, una región que considera parte esencial de su identidad y sensibilidad musical.

La canción transmite un mensaje universal sobre el amor auténtico, reafirmando que las emociones y la música pueden cruzar fronteras culturales y lingüísticas.

“Al final, lo que busco con mi música es simple: emocionar, inspirar y conectar. Ser humano, ese es mi verdadero sonido”, afirma el artista.

La entrada Loco Escrito presenta “Colibrí”, su nuevo lanzamiento para Latinoamérica se publicó primero en Canal Trece.

Un tema íntimo con esencia tropical

La canción fue compuesta junto a los productores caleños La Nube y Brandel, quienes aportaron una mezcla de sonidos frescos con la esencia tropical que caracteriza al artista. El resultado es una propuesta renovada que conserva la identidad musical de Mike, pero con un toque nostálgico que conecta desde la sensibilidad.

Videoclip grabado en Cali

El videoclip de “Un Vacío” fue realizado en Cali, ciudad natal del artista. Para esta producción, se utilizó tecnología en greenscreen, permitiendo explorar nuevas propuestas visuales y alejándose de los formatos tradicionales. La pieza visual destaca por su intención emocional y una estética que acompaña el sentimiento central de la canción.

Un año clave en su carrera

Este lanzamiento llega en un momento significativo para Mike Bahía, quien recientemente obtuvo su tercera nominación a los Latin Grammy, esta vez en la categoría Mejor Álbum Tropical Contemporáneo por su proyecto Calidosa. Este reconocimiento resalta su evolución artística y su constancia dentro de la industria musical.

En lo que va del 2025, el artista ha logrado consolidar un camino donde la exploración sonora y la autenticidad continúan siendo sus principales pilares. Con “Un Vacío”, reafirma su capacidad para crear música que conecta desde la emoción y la cercanía.

La entrada Lo nuevo de Mike Bahía: “Un Vacío” se publicó primero en Canal Trece.

Una propuesta con esencia y actualidad

Romix, cuyo nombre de nacimiento es Romario Gutiérrez y es originario de Valledupar, busca convertir la salsa en el eje central de su carrera. Con este lanzamiento, el artista mantiene la base tradicional del género, incorporando elementos contemporáneos que le dan frescura a su propuesta musical.

“Enamórate” combina la instrumentación clásica de la salsa con una sensibilidad moderna. Además, conserva matices de la identidad vallenata de Romix, presentes también en otros temas como “No Voy Más” y “Bésame”.

En palabras del cantante, “este sencillo es bastante romántico, logrando responder a la necesidad colectiva de escuchar, sentir la letra y darle más importancia a la música hecha en vivo. En pleno 2025 y en medio del auge de la inteligencia artificial, con ‘Enamórate’ quise rendir honor al arte, al don de la composición y a la creación musical”.

Crecimiento orgánico y proyección

A pocos días de su lanzamiento, “Enamórate” se acerca al medio millón de reproducciones en YouTube y supera las 28 mil reproducciones en Spotify, cifras que reflejan un respaldo de un público que busca autenticidad y propuestas con sentimiento.

Actualmente, Romix trabaja en su primer álbum “Vaya Que Sí”, previsto para estrenarse en 2026. Con este proyecto, el artista espera fortalecer su presencia en la escena latinoamericana y posicionarse como una de las nuevas voces representativas de la salsa romántica en el país.

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Un viaje entre lo orgánico y lo electrónico

El título de la canción, “Raazdari”, proviene del hindi y significa “secreto”. El tema representa un viaje emocional donde la vulnerabilidad se transforma en fuerza, mientras la producción equilibra elementos orgánicos y electrónicos para crear una atmósfera íntima.

Supi describe su proceso creativo como una exploración constante: “Siento que los géneros te encasillan en la monotonía. Si pudiera agarrar los momentos que vivo, por más diferentes que sean, los podría encajar en canciones y contar historias en distintos ritmos, formas de cantar y letras”.

El nuevo “Supiworld”

“Raazdari” hace parte de la nueva etapa de su proyecto, conocida como “el nuevo Supiworld”, una evolución sonora que fusiona hip hop, afro, reggae, pop-rock y balada. En esta fase, Supicic busca dejar atrás etiquetas y experimentar con nuevas texturas y estilos.

“Después de escribir y producir todo el álbum Supiworld, decidí probarme en ritmos diferentes, pistas que no produjera yo y letras que escribiera otra pluma”, comenta. “El objetivo fue retarnos a plasmar lo que no se espera, lo diferente”.

Una colaboración internacional

La canción fue creada entre Madrid, Ciudad de México, Veracruz y Bogotá, y contó con la participación de varios productores y compositores internacionales. Supi destaca que abrirse a otros procesos creativos ha sido esencial para redescubrir su voz: “Entender la mente de otros creativos me parece súper valioso para generar ideas nuevas y orgánicas”.

Supicic en vivo

El artista planea llevar esta nueva etapa a los escenarios antes de que finalice 2025, con una gira en formato de banda completa. Su propósito es ofrecer un show más cercano y auténtico, donde el público pueda vivir versiones diferentes de sus canciones.

“Estas canciones están pensadas para mover corazones sobre el escenario. El público quiere sentir instrumentos, vivir versiones diferentes de sus canciones favoritas”, afirma Supi.

La entrada Supicic presenta “Raazdari”, una fusión entre R&B, pop alternativo y afro se publicó primero en Canal Trece.

El tema fue compuesto por el maestro Nino Caicedo y producido junto a Froyber Maya, quienes trabajaron de la mano para crear una propuesta musical que combina bachata, salsa y son. El resultado es un viaje sonoro que refleja la versatilidad del artista y su capacidad para conectar con el público a través de letras sinceras y melodías envolventes.

En “Ese amor que no se olvida”, Anddy Caicedo explora los matices del amor y la memoria, transformando la nostalgia en una canción que se siente como un desahogo del alma. Su interpretación, cargada de romanticismo y sentimiento, reafirma su posición como uno de los intérpretes más destacados de la música tropical contemporánea.

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Una historia guiada por el amor

En “NENA”, DICE explora la vulnerabilidad, el deseo y la autenticidad emocional, temas que conectan con quienes han vivido los altibajos del amor. La letra refleja esos momentos en los que el corazón duda entre entregarse o protegerse, mientras la música envuelve al oyente en una atmósfera cálida y moderna.

Una producción con sello caribeño

El sencillo fue producido por Gangsta, reconocido por su trabajo junto a artistas como Kapo, Maluma y Fariana. En esta colaboración, DICE y Gangsta fusionan ritmos caribeños, afrobeat y sonidos urbanos, logrando un balance entre frescura y profundidad emocional.

De “Mañitas” a “Prototipo”: un camino de crecimiento

La trayectoria reciente de DICE ha mostrado una evolución constante. Su tema “Prototipo” alcanzó el número 1 en el chart Hot Song de Monitor Latino, uno de los rankings más importantes de América Latina. Con el éxito previo de Mañitas y el cierre que representa NENA, el artista continúa ganando reconocimiento dentro de la industria musical.

La entrada Lo nuevo de DICE: “NENA” cierra su trilogía musical con una dosis de amor y ritmo se publicó primero en Canal Trece.

Bajo el sello discográfico La Industria INC, el sencillo destaca por su energía positiva y por la química entre ambos artistas. Mientras Kapo aporta su estilo melódico, Ryan Castro suma su característico carisma, dando vida a una canción moderna y llena de ritmo.

El video musical de “Dónde”, disponible en YouTube, busca capturar la esencia alegre y festiva del tema. La producción resalta la diversidad y belleza femenina con una propuesta visual colorida y divertida, transmitiendo el mensaje de que la belleza no tiene fronteras.

Con este lanzamiento, Kapo continúa fortaleciendo su propuesta internacional y mostrando la evolución de su sonido, mientras Ryan Castro reafirma su posición como una de las figuras más influyentes del género urbano en el país.

La entrada Kapo y Ryan Castro estrenan el video oficial de “Dónde” se publicó primero en Canal Trece.

Un regreso con mensaje

El artista paisa retoma su carrera con una canción que, según cuenta, está inspirada en las personas que viven pendientes de la vida ajena en lugar de concentrarse en la suya propia. Dos vidas nace como una reflexión sobre las críticas y los juicios que ha recibido tras manifestar públicamente su deseo de fortalecer su camino espiritual y su comunión con Dios.fck,

Esta producción fue realizada en Medellín junto a Yohan Úsuga, productor con quien Vélez ha trabajado durante varios años en la construcción de su sonido característico dentro del género popular.

La historia detrás de Dos vidas

El videoclip fue rodado en diferentes restaurantes de Medellín, escenarios donde se recrean algunas de las situaciones cotidianas que inspiraron la canción. El propio Vélez participó en la dirección y producción del clip junto a Coffe and Movie, reforzando su vínculo creativo con el proyecto.

Una nueva etapa en su carrera

Con este lanzamiento, el artista busca consolidar su estilo dentro de la música popular mientras continúa avanzando en su propósito espiritual. Dos vidas estará disponible desde el 26 de septiembre en las principales plataformas digitales y en YouTube, marcando así un nuevo comienzo en la trayectoria de Juan Vélez, quien además prepara su regreso a los escenarios en los próximos meses.

La entrada Juan Vélez presenta Dos vidas, su regreso a la música popular se publicó primero en Canal Trece.

El disco está compuesto por 10 canciones en las que Milo Beat reúne a una destacada selección de artistas del panorama urbano: Natan & Shander, Xclusive, Mari La Carajita, Breko, Déjota, Jesda, Osman, Kapla & Miky, Juligan y Blackiebwoy. Cada uno aporta su estilo e identidad, generando una experiencia diversa y llena de matices.

Inspirado en el número maestro 33

El concepto de “G3N3SIS” parte del número maestro 33, símbolo de equilibrio, conexión y propósito. Para Milo Beat, este número ha sido una constante en su vida, representando una guía hacia el crecimiento y la dirección correcta.

En esta etapa, respaldado por la disquera AP Global Música, el productor busca conectar con su público a través de una mezcla de ritmos vibrantes, sonidos alegres y el característico beat urbano que lo identifica.

“Es una experiencia donde quiero y busco que el oyente conecte en un nivel emocional y trascendental. No es solo un álbum para escuchar, es una experiencia inmersiva”, comentó Milo Beat.

Un short film que amplía la experiencia musical

Además del álbum, el proyecto incluye un short film titulado “G3N3SIS”, una pieza audiovisual que complementa la propuesta musical. La historia se desarrolla en el Piso 33 de una residencia misteriosa, donde cada habitación representa una canción distinta.

El corto está grabado en una sola toma continua, conectando las 10 experiencias musicales mientras Milo Beat actúa como anfitrión. Esta narrativa visual busca ofrecer al público un recorrido multisensorial que une música, arte y emoción.

Con “G3N3SIS”, Milo Beat reafirma su visión creativa dentro de la escena urbana y su capacidad para fusionar géneros, conceptos y experiencias, llevando la producción musical a un nuevo nivel.

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Una pieza que convierte la nostalgia en música

Inspirada en una visión que acompañó a Currea desde su llegada a Australia, Ethereal Dream es una composición que retrata los recuerdos y las emociones como sueños: intangibles, pero cargados de fuerza espiritual. Con un sonido en el que el piano y las cuerdas se entrelazan, la pieza evoca la serenidad de la música clásica y la emotividad de las bandas sonoras modernas.

El sencillo fue producido por Sean Carey en Sídney, Australia, reconocido por su trabajo en música para cine. Tanto el piano como el cuarteto de cuerdas fueron grabados en vivo, generando una sonoridad orgánica y envolvente.

“Busco que quienes la escuchen sientan lo mismo que yo al componerla: paz, serenidad y nostalgia. Es música para respirar y volver a la calma”, afirma Currea.

Sense One, una obra introspectiva

El álbum debut de Santiago Currea está compuesto por cuatro piezas: L.O.V.E, Ethereal Dream, Reborn y Sunlit. Cada una representa una etapa del viaje personal y musical del artista, desde la pureza hasta la luminosidad.

Con este proyecto, el pianista busca consolidar su identidad como compositor contemporáneo, explorando la frontera entre lo clásico, lo cinematográfico y lo electrónico.

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Un sonido entre reguetón y afrobeat

“Pa’ Que” combina reguetón melódico, influencias del afrobeat y ritmos caribeños, logrando un estilo fresco y versátil. La canción relata una relación en medio de la indecisión y el deseo, con un protagonista que cuestiona las intenciones de su pareja en un juego entre pasión y dudas.

El tema destaca por un beat envolvente con tintes oscuros y minimalistas, contrastado con la voz melódica de DICE, lo que lo convierte en una propuesta tanto bailable como emocional.

La carrera en ascenso de DICE

Con este lanzamiento, DICE refuerza su identidad como uno de los talentos emergentes del género urbano. Su capacidad para experimentar sin perder autenticidad lo ha llevado a colaborar con productores como Gangsta, posicionándose como una de las voces jóvenes con mayor proyección en la música actual.

Sobre DICE

Nacido el 15 de septiembre de 2002 en Bogotá y criado en Soacha, DICE descubrió su pasión por la música desde niño con el apoyo de su familia. A los 15 años se trasladó a Estados Unidos, donde desarrolló habilidades de composición e interpretación explorando géneros como salsa, bachata, corridos y música popular, además del reguetón.

En paralelo, encontró en la barbería una segunda pasión que le permitió sostenerse económicamente, sin dejar de lado su sueño artístico. Con el tiempo, retomó su camino en la música y formó un equipo de trabajo en el que conoció a Jay Kii, con quien ha colaborado en diferentes proyectos.

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La inspiración detrás de la canción

“Dos Historias” toma como punto de partida la asíntota, figura matemática que describe dos líneas que se acercan indefinidamente sin llegar a encontrarse. La banda retoma esta imagen para hablar de aquellas relaciones que, aunque intensas y llenas de promesas, nunca llegan a concretarse.

Más allá del desamor, la canción invita a aceptar que en la vida existen vínculos destinados a permanecer en el terreno del “casi”.

El sonido de Burana Polar

El tema fue compuesto por la propia agrupación y producido por Juanda Morales. Su estilo mantiene el sello FunkPop de Burana Polar, con un groove fresco que mezcla modernidad y nostalgia. La interpretación vocal transmite el contraste entre deseo y resignación, llevando al oyente a un viaje íntimo y emocional.

El video oficial

El lanzamiento está acompañado por un videoclip grabado en Bogotá, en el escenario de Smoking Molly, bajo la dirección de Alejandro Sanabria y Felipe García. La narrativa audiovisual presenta a dos personajes cuya conexión es evidente, pero que, al igual que la asíntota, nunca logran encontrarse del todo.

Un proyecto emergente en la escena nacional

Con “Dos Historias”, Burana Polar reafirma su lugar en la escena musical colombiana. Su capacidad para transformar conceptos abstractos en experiencias sonoras y visuales los posiciona como una de las propuestas emergentes más llamativas del país.

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La canción presenta una atmósfera íntima, donde la voz de Kapo se une con la sensibilidad interpretativa de Camilo. Ambos artistas participaron en la escritura junto a Gangsta, Jeyjenm y Avi, resaltando la fuerza creativa de la composición colectiva.

En la producción se destacan Kapo, Gangsta y Jeyjenm, mientras que la grabación estuvo a cargo de Jeyjenm y Nicolás Ramírez. La mezcla fue realizada por Javier Garza y la masterización por Dale Becker. El resultado es un bolero con esencia clásica, pero adaptado para un público contemporáneo.

Kapo, que ya se ha consolidado como referente del afro-pop latino con éxitos en plataformas digitales y escenarios internacionales, continúa abriendo camino en la nueva ola musical. Por su parte, Camilo reafirma su interés en explorar géneros tradicionales y acercarlos a nuevas audiencias con su estilo característico.

“Esta es tu casa nena” fue lanzada bajo el sello de La Industria INC y Sony Music Latin, fortaleciendo la proyección de Kapo y sumando una nueva faceta al repertorio de Camilo.

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Una historia contada en primera persona

Más que un sencillo, “Eso es por mí” es un manifiesto musical. En sus versos, Kendo hace un recorrido por los momentos que han marcado su vida, desde los lujos hasta las vivencias más difíciles. Con un estilo directo y cargado de realismo, su lírica refleja su identidad como narrador de calle y voz de conciencia.

Un video que muestra sus dos mundos

El videoclip, grabado entre Orlando y Puerto Rico, resalta la dualidad que define a Kendo Kaponi: la opulencia y la calle, lo aspiracional y lo real. Cada imagen representa los contrastes que han moldeado su trayectoria artística y personal.

Antesala a un nuevo álbum

Este lanzamiento funciona como un adelanto de Apocalipto, su próximo álbum de estudio, en el que promete un regreso al sonido que marcó a toda una generación. “Eso es por mí” llega tras el éxito de MUVI, colaboración con Luar La L, Omar Courtz e IZaak, que reafirmó su vigencia en la nueva ola del género urbano.

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