El sencillo se convierte en el primer adelanto del próximo álbum de estudio de la agrupación y marca un regreso a sus raíces musicales, manteniendo el sello que ha caracterizado a la banda durante más de dos décadas: la unión entre música, activismo y conciencia social.

¿De qué trata «La Cumbia Antifa»?

Según la agrupación, «La Cumbia Antifa» surge como una respuesta artística a los desafíos que enfrentan actualmente Colombia y Latinoamérica.

La canción reivindica valores como la libertad, la diversidad cultural, los saberes ancestrales y la defensa de los pueblos. Su propuesta musical mezcla elementos de la cumbia colombiana, el rock, el ska y otros sonidos latinoamericanos para construir un mensaje de identidad y resistencia colectiva.

Entre sus versos destaca una invitación a levantar la voz frente a las distintas formas de opresión y a fortalecer los lazos comunitarios desde la cultura y la música.

«Que la selva y los barrios se resistan, se levante nuestra voz antifascista», expresa uno de los fragmentos centrales del tema.

Una cumbia con mensaje social y ambiental

Desde sus inicios, Doctor Krápula ha utilizado la música como una herramienta para abordar temas relacionados con el medio ambiente, la justicia social y la participación ciudadana.

Con este lanzamiento, la banda retoma esa línea artística y plantea una reflexión sobre la importancia de la unión de los pueblos latinoamericanos en un contexto marcado por tensiones sociales y desafíos ambientales.

La agrupación destaca que la cumbia, históricamente ligada a la memoria colectiva y a las comunidades populares, funciona como el vehículo ideal para transmitir este mensaje.

El videoclip fue grabado en Bogotá

El lanzamiento de «La Cumbia Antifa» llega acompañado por un videoclip rodado en Bogotá bajo la dirección de Alex Cortés y la producción de Little Goat Films.

La producción audiovisual contó con la participación de:

• Jaime Rosero (dirección de fotografía y asistencia de dirección)
• Felipe Mizinga (cámara)
• Yoy Rave y May Torres Olarte (dirección de arte)
• Ana García (maquillaje)
• Julián Angarita (foto fija)

El video complementa el concepto de la canción mediante una propuesta visual que conecta la vida urbana, los barrios y los territorios naturales como símbolos de resistencia cultural.

Juan Pablo Vega produce el nuevo sencillo

Uno de los aspectos destacados del lanzamiento es la participación del reconocido músico y productor colombiano Juan Pablo Vega, ganador del Latin Grammy, quien estuvo a cargo de la producción musical.

La mezcla y masterización fueron realizadas por Stefano Pizzaia, aportando un sonido contemporáneo que mantiene la esencia característica de la banda.

Además, el sencillo forma parte del nuevo álbum de estudio de Doctor Krápula, grabado en Bogotá y actualmente en proceso de lanzamiento.

Más de 25 años de trayectoria en el rock latinoamericano

Doctor Krápula es considerada una de las bandas más influyentes del rock alternativo colombiano y latinoamericano.

Integrada por Mario Muñoz, Niko Cabrera, Sergio Acosta, David Kawooq y Kasius Martínez, la agrupación ha desarrollado una propuesta musical que fusiona punk, cumbia, reggae, ska e hip hop.

A lo largo de su carrera acumula:

• Más de 800 conciertos en 15 países.
• 12 álbumes de estudio.
• 4 EPs.
• Un DVD en vivo.
• Cinco nominaciones a los Latin Grammy.

Su trabajo artístico ha estado vinculado constantemente a causas ambientales, culturales y sociales, consolidando una identidad que trasciende el ámbito musical.

Un adelanto de su próximo álbum

Con «La Cumbia Antifa», Doctor Krápula inicia una nueva etapa creativa y abre el camino hacia el lanzamiento de su próximo trabajo discográfico.

La canción ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales y representa el primer vistazo a una producción que promete mantener el espíritu crítico y comprometido que ha acompañado a la banda durante más de 25 años.

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Fito Páez regresa a Colombia con una gira que conecta dos momentos fundamentales de su carrera: los 40 años de Giros, uno de los discos más importantes del rock en español, y la llegada de Novela, una obra concebida hace décadas y materializada recientemente. El artista argentino recorrerá varias ciudades del país con Sale el Sol, una serie de conciertos que comenzará el 5 de junio en Cali y finalizará el 12 de junio en Bogotá.

La gira también tendrá paradas en Manizales y Medellín, consolidando uno de los regresos más esperados por los seguidores de la música latinoamericana en Colombia.

Los 40 años de Giros, un álbum clave en la historia del rock en español

Publicado en 1985, Giros marcó un punto de inflexión en la carrera de Fito Páez. El álbum se convirtió en una de las producciones más influyentes del rock latinoamericano y consolidó la identidad artística del músico rosarino.

Canciones como Giros, 11 y 6 y Yo vengo a ofrecer mi corazón trascendieron generaciones y continúan ocupando un lugar privilegiado dentro del repertorio musical de América Latina.

Cuatro décadas después de su lanzamiento, estas composiciones siguen conectando con nuevas audiencias gracias a letras que abordan temas universales como el amor, la esperanza, la libertad y la resiliencia.

Novela, una obra que conecta pasado y presente

La gira también llega en un momento especial por la publicación de Novela, un proyecto que Fito Páez comenzó a imaginar en 1988 y que finalmente vio la luz décadas después.

La obra fue grabada parcialmente en los históricos estudios Abbey Road de Londres, escenario emblemático de la música mundial y reconocido por albergar producciones de artistas como The Beatles.

Más que un lanzamiento reciente, Novela representa un puente entre la creatividad de los años dorados del rock latinoamericano y la vigencia artística de uno de sus protagonistas más importantes.

Las fechas de Fito Páez en Colombia

La gira Sale el Sol tendrá cuatro presentaciones en territorio colombiano:

• 5 de junio: Cali
• 6 de junio: Manizales
• 9 de junio: Medellín
• 12 de junio: Bogotá – Movistar Arena

Cada concierto promete un recorrido por diferentes etapas de la carrera del artista, incluyendo clásicos de Giros, canciones emblemáticas de su discografía y composiciones más recientes.

Un vínculo especial con el público colombiano

La relación entre Fito Páez y Colombia se ha fortalecido a lo largo de los años. Bogotá, Medellín y Cali han sido escenarios recurrentes dentro de su trayectoria artística.

En 2016, el músico celebró en Bogotá el aniversario de Giros. Más recientemente, en 2023, regresó al Movistar Arena con la gira conmemorativa de El amor después del amor, mientras que en 2025 hizo parte de la programación del Festival Cordillera, donde reafirmó la vigencia de su obra ante nuevas generaciones.

Ese recorrido ha convertido a Colombia en uno de los países donde el repertorio de Fito sigue encontrando una conexión especial con el público.

Una gira que celebra la historia y el presente

Más que una serie de conciertos, Sale el Sol propone un recorrido por distintas etapas creativas de Fito Páez. La gira reúne el legado de un álbum histórico como Giros y la actualidad de Novela, demostrando cómo una obra artística puede seguir evolucionando con el paso del tiempo.

El regreso del músico argentino también representa una oportunidad para reencontrarse con canciones que forman parte de la memoria colectiva latinoamericana y descubrir nuevas composiciones que mantienen vigente una de las carreras más influyentes de la música en español.

Con cuatro fechas confirmadas en Colombia, Fito Páez vuelve a los escenarios nacionales para celebrar su historia, compartir su presente y seguir construyendo el futuro de una obra que continúa marcando generaciones.

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El músico argentino Fito Páez lanzó oficialmente “Shine”, un álbum compuesto por 13 canciones inéditas en las que explora sonidos ligados al rock, el R&B y el soul, mientras reflexiona sobre las relaciones humanas, la sensibilidad y el contexto social actual.

El nuevo trabajo discográfico ya se encuentra disponible en plataformas digitales y también tendrá ediciones físicas en formato CD y LP.

Con este lanzamiento, el artista rosarino abre una nueva etapa musical marcada por la introspección, la recuperación personal y una mirada crítica sobre el mundo contemporáneo.

Un disco marcado por la recuperación y el renacer

Según explicó el propio artista, “Shine” también simboliza un momento de transformación personal luego del accidente doméstico que sufrió en septiembre de 2025, cuando tuvo que ser operado tras fracturarse nueve costillas.

La recuperación obligó a Fito Páez a suspender conciertos y proyectos durante varios meses. En ese proceso, la música terminó convirtiéndose en una herramienta de reconstrucción física y emocional.

Las canciones del álbum reflejan ese momento de resiliencia, mezclando emociones profundas con mensajes de esperanza y humanidad.

Rock, soul y crítica social en el nuevo álbum de Fito Páez

En “Shine”, Fito Páez mantiene el espíritu clásico del rock mientras incorpora elementos del funk, reggae y soul.

A lo largo del disco, el músico construye relatos que hablan sobre el amor, la amistad, la soledad, la alienación tecnológica y la necesidad de recuperar los vínculos humanos.

El álbum plantea una crítica frente a la superficialidad y al distanciamiento emocional que atraviesa la sociedad actual.

Las canciones de “Shine” y sus historias

Cada una de las canciones desarrolla una narrativa distinta dentro del universo conceptual del álbum.

“Girl T. Rex”

El disco abre con una canción influenciada por el funk y centrada en la vida urbana de una joven en Buenos Aires.

“Shine”

La canción que da nombre al álbum propone una mirada sobre el mundo contemporáneo con referencias sonoras inspiradas en el sonido clásico de los años 70.

“Nuestro templo”

Este tema mezcla reggae y reflexión social para hablar sobre el amor y las relaciones humanas en medio de un contexto marcado por la soledad.

“Prueba de amor”

La canción conecta elementos de tragedia romántica clásica con historias contemporáneas ambientadas en Rosario.

“Río Místico”

Aquí el artista aborda la necesidad de avanzar y tomar decisiones personales para no depender emocionalmente de otros.

“Las fuerzas armadas del amor”

Uno de los momentos más personales del disco. La canción hace referencia al accidente sufrido por Fito Páez y al apoyo recibido por parte de sus seres cercanos durante la recuperación.

“Planeta azul” y “La esquina del sol”

Ambos temas mantienen una narrativa épica y esperanzadora sobre el futuro, las relaciones y la posibilidad de encontrar redención.

“Universo”

Esta canción está dedicada al músico cubano Pablo Milanés, una de las figuras más influyentes dentro de la música latinoamericana.

Fito Páez y su legado en el rock latinoamericano

Con más de cuatro décadas de trayectoria, Fito Páez continúa siendo una de las figuras más importantes del rock en español y de la música latinoamericana.

El artista argentino ha construido una carrera reconocida por combinar narrativa social, sensibilidad poética y exploración sonora, convirtiéndose en un referente para varias generaciones.

Con “Shine”, el músico reafirma su interés por crear obras conectadas con las emociones humanas y los cambios culturales del presente.

“Shine” ya está disponible en plataformas digitales

El nuevo álbum de Fito Páez puede escucharse en plataformas digitales de streaming y también contará con lanzamientos físicos para coleccionistas y seguidores del artista.

El disco llega en un momento importante para la carrera del músico, quien continúa expandiendo su legado artístico dentro de la escena musical latinoamericana.

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La cantautora Katie James presenta “El sí más verdadero”, un sencillo que invita a vivir el amor con calma, sin afán y con sentido.

La canción nace como una reflexión sobre esos sentimientos que se construyen con el tiempo y que, por eso, tienen bases más fuertes y duraderas.

Una propuesta íntima y auténtica

Compuesta durante un vuelo, la canción conecta con momentos reales y emocionales.

Con sonidos que evocan el bolero clásico —guitarras, bongó y contrabajo—, el tema se mezcla con una interpretación actual que mantiene la esencia de Katie James. La producción estuvo a cargo de Beto Ojeda en Bogotá.

Parte del álbum “Bajo mi corteza”

“El sí más verdadero” es la puerta de entrada a su nuevo álbum “Bajo mi corteza”, un proyecto de 10 canciones.

Este trabajo recorre diferentes sonidos latinoamericanos como bolero, zamba, tonadas llaneras, tango, cumbia y vallenato, mostrando una propuesta diversa, emocional y honesta.

Un video cercano y real

El videoclip, dirigido por Viajero Producciones, fue grabado en un entorno íntimo junto a amigos y músicos cercanos.

La pieza transmite una celebración genuina del amor, con una estética cálida que refuerza el mensaje de la canción.

Gira 2026 por Colombia y Centroamérica

Como parte del lanzamiento, Katie James realizará una gira en 2026 con presentaciones en diferentes ciudades.

Entre las fechas confirmadas están:

• San José (Costa Rica) – marzo
• Honda, Tolima – abril
• Bucaramanga – abril
• Bogotá – mayo
• Medellín – junio

Estos conciertos llevarán su nuevo repertorio a distintos escenarios, conectando con el público desde la cercanía que caracteriza su música.

Una artista con identidad propia

Con más de 20 años de carrera, Katie James ha construido un estilo que mezcla lo folclórico con lo contemporáneo.

Ha llevado su música a más de 15 países y ha sido reconocida en premios como los Premios Nuestra Tierra, consolidándose como una voz importante dentro de la música latinoamericana.

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El título del disco surge como una onomatopeya del ritmo del tambor chico, uno de los tres instrumentos fundamentales del candombe, ritmo afro-uruguayo que ha marcado profundamente la identidad cultural de Uruguay. Este patrón rítmico, caracterizado por un desplazamiento del acento, genera una sensación sonora particular que, según el artista, rompe con la lógica tradicional del compás.

Un disco inspirado en el presente

Para Drexler, “Taracá” también es una forma de decir “estar acá”, una expresión cargada de significado emocional y territorial. El concepto del álbum gira en torno a la idea de habitar el presente, tanto desde lo musical como desde lo espiritual.

El artista explica que esta conexión con el “aquí y ahora” proviene del trance rítmico del candombe, una herencia africana que ha influido en la cultura uruguaya y que en este trabajo toma un papel protagónico.

Regreso a Uruguay y a sus raíces

El disco representa un regreso simbólico y físico a Uruguay, país donde fue grabado, y donde Drexler reconecta con su historia personal y musical. Tras más de tres décadas viviendo en Madrid, este álbum marca un momento clave en su carrera, coincidiendo con una etapa de transformación personal.

“Taracá” se construye como un puente entre generaciones y territorios, combinando la experiencia del artista con la frescura de nuevos talentos.

Un trabajo colectivo y diverso

Uno de los aspectos más destacados del álbum es su carácter colaborativo. Participan jóvenes músicos y productores uruguayos como Lucas Piedra Cueva, Tadu Vázquez y Facundo Balta, junto a artistas de la escena puertorriqueña como Mauro y Gabo Lugo.

El resultado es un sonido que integra elementos del candombe, la milonga, la murga y la plena, además de influencias contemporáneas que amplían el alcance del proyecto.

Tradición, identidad y exploración sonora

El álbum reúne una amplia variedad de referencias culturales y musicales, incluyendo colaboraciones con artistas como Américo Young, la comparsa La Dominguera, la murga Falta y Resto y la participación de la Selección Uruguaya Sinfónica.

En sus canciones, Drexler aborda preguntas profundas sobre la vida, el amor y la identidad humana, manteniendo su característico enfoque poético y reflexivo.

Un puente entre pasado y futuro

Más que un álbum, “Taracá” se presenta como una experiencia sonora que reivindica el valor de las tradiciones mientras dialoga con el presente. Con este lanzamiento, Jorge Drexler invita a los oyentes a conectarse con el ritmo, la memoria y la emoción.

El artista anunciará próximamente las fechas de su gira por Latinoamérica.

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La cantante chilena Mon Laferte protagoniza una nueva edición de Spotify Sessions EQUAL Edition, una iniciativa impulsada por Spotify para celebrar el liderazgo y la creatividad de las mujeres en la música latinoamericana.

La sesión se presenta como parte de las celebraciones por el quinto aniversario del programa EQUAL, una iniciativa global que busca dar mayor visibilidad a las artistas y profesionales mujeres dentro de la industria musical.

En esta propuesta especial, Mon Laferte no solo participa como artista, sino también como directora musical, liderando un ensamble integrado únicamente por mujeres.

Una propuesta visual inspirada en el cine clásico

La sesión tiene una estética inspirada en el estilo Film Noir, con una atmósfera cinematográfica que mezcla elegancia, sombras y luces para crear un ambiente íntimo.

La dirección visual estuvo a cargo de la cineasta Magaly Ugarte, quien desarrolló una narrativa visual que acompaña la interpretación musical y resalta el protagonismo femenino en cada parte del proyecto.

En el escenario, Mon Laferte lidera un ensamble de jazz conformado únicamente por mujeres, en una puesta en escena que combina fuerza, sofisticación y una identidad latinoamericana contemporánea.

Canciones reinterpretadas con sonidos de jazz

Durante esta Spotify Session, la artista presenta nuevas versiones de varias de sus canciones, entre ellas:

• “Femme Fatale”

• “Otra Noche de Llorar”

• “Veracruz”

• “1:30”

• “Melancolía”

Las canciones fueron reinterpretadas con arreglos inspirados en el jazz, permitiendo una nueva lectura musical que mezcla vulnerabilidad, improvisación y fuerza artística.

Según la propia artista, esta sesión le permitió experimentar con nuevos sonidos y explorar una forma distinta de presentar su música.

El impacto de Mon Laferte en Colombia

La música de Mon Laferte también tiene una fuerte conexión con el público colombiano. Actualmente, Colombia es el cuarto país que más escucha a la artista a nivel mundial en Spotify, con más de 79 millones de reproducciones.

Uno de sus temas más escuchados en el país es Tu Falta de Querer, que supera los 15 millones de reproducciones locales. Además, ciudades como Bogotá se encuentran entre las que más escuchan su música en la plataforma.

Este crecimiento refleja el aumento del consumo de música hecha por mujeres en la región.

EQUAL impulsa el talento femenino en Latinoamérica

Desde su lanzamiento, el programa EQUAL ha apoyado a más de 1.400 artistas en más de 40 mercados alrededor del mundo.

En Latinoamérica, más de 200 artistas han sido parte de esta iniciativa, acumulando más de 17 mil millones de reproducciones en listas editoriales.

Entre las artistas que han participado en el programa se encuentran Julieta Venegas, Silvana Estrada, María Becerra, Lali, Juliana, Aria Vega, Julia Mestre y Ajuliacosta, quienes han contribuido a fortalecer la presencia femenina en la industria musical.

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Esta gira acompaña el próximo álbum de Caloncho, un proyecto que promete energía, frescura y una propuesta visual llamativa. El músico abrió esta fase con “Palacama”, una canción que presenta como “un regalo de amor vivo”. Además, prepara el lanzamiento de “Fairy Michelle”, un sencillo que mezcla reggae y cumbia, y que continúa expandiendo el universo sonoro que marcará este ciclo.

Una gira que recorrerá Latinoamérica

“El tiempo es mi casa” incluye fechas en México, Latinoamérica y otros territorios. En su país de origen, el artista visitará ciudades como Oaxaca, Santo Domingo, León, San Luis Potosí, Querétaro, Pachuca, Puebla, Guadalajara, Tijuana, Cancún y Mérida, además de otras que serán anunciadas próximamente.

Con más de 10 años de carrera, cinco álbumes de estudio y múltiples giras internacionales, Caloncho mantiene su apuesta por conectar con diversas generaciones. Su visita a Bogotá será una oportunidad para vivir esta nueva etapa en directo y acercarse a la sonoridad luminosa que está construyendo.

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El tema, escrito por Jorge Drexler junto a su hijo Pablo Drexler, nació hace varios años, pero solo hasta ahora pudo completarse. “Aparentemente, los seres humanos no aprendemos nada de nuestras historias más dolorosas, y algunas canciones siguen volviendo una y otra vez al papel y a la guitarra”, expresó el artista sobre el proceso creativo.

Una canción con mensaje profundo

Con frases como “No hay signo, no hay bando, no hay ideología ni misterio. No hay un solo fin que justifique cualquier medio”, Drexler transmite un mensaje directo: nada ni nadie está por encima del derecho a la vida de los inocentes.

El artista también destacó que este es el primer tema que compone junto a su hijo Pablo, quien aportó la música. La producción estuvo a cargo de Jorge Drexler, Lucas Piedracueva y Tadu Vázquez, mientras que la mezcla fue realizada por Carles “Campi” Campón y la masterización por Fred Kevorkian.

Colaboraciones musicales

En “El fin y el medio” participan varios músicos invitados: Facu Balta en teclados, Tadu Vázquez en programaciones, Borja Barrueta en percusión de mesa y Nasrine Rahmani en percusión flamenca. Drexler interpreta la voz principal y la guitarra.

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Este nuevo sencillo, que ya supera las 17 mil reproducciones en Spotify, marca el inicio del camino hacia un nuevo álbum de estudio que reunirá colaboraciones con distintos exponentes del género. El sonido característico del rocksteady es el protagonista de este lanzamiento que rinde homenaje al amor incondicional: ese que se encuentra en la familia, los amigos e incluso las mascotas.

“Este es un homenaje para quienes ya no están físicamente, pero dejaron una huella imborrable en nuestras vidas”, expresó la banda.

Un videoclip con alma y corazón

El videoclip de “Amor Perfecto” ya está disponible en plataformas digitales. Fue realizado por Azteka Produce y contó con la dirección de arte y maquillaje de The Raven Art, aportando una estética sensible y emocional que complementa el mensaje de la canción.

La canción fue grabada en Capital Latino Music bajo la producción de Jonathan Medina y la mezcla de Juan David Morales.

15 años de ska y resistencia

Con esta nueva etapa musical, Alto Grado se prepara para presentar un álbum con sonidos que conectan a Bogotá, México y Los Ángeles, tres lugares que han marcado momentos clave en su historia.

Durante su trayectoria, la banda se ha consolidado como uno de los referentes del ska colombiano, gracias a presentaciones memorables y colaboraciones con agrupaciones como Los Rabanes (Panamá), Inspector (México), La Santísima Voladora (México) y Los Calzones (Argentina).

Uno de los momentos más importantes de su carrera fue su participación en Rock al Parque 2023, donde compartieron tarima con Los Auténticos Decadentes (Argentina) y juntos interpretaron “La Guitarra” ante más de 60 mil personas.

La entrada Alto Grado lanza “Amor Perfecto” con The Klaxon y Cuarto de Queso se publicó primero en Canal Trece.