Maluma Loco x Volver marca una nueva etapa en la carrera del artista colombiano, quien anunció oficialmente su próximo álbum de estudio con un emotivo video publicado en sus redes sociales. El proyecto, descrito como uno de los más íntimos y honestos de su trayectoria, llegará el 15 de mayo de 2026 y reunirá sonidos, colaboraciones y canciones que reflejan una faceta más personal del cantante paisa. 

El anuncio de Maluma Loco x Volver conmovió a sus seguidores y abrió una nueva conversación alrededor de la evolución artística del intérprete, quien después de más de una década de carrera se mantiene como una de las figuras más influyentes del pop latino global. El álbum llega con varios sencillos ya estrenados y con una narrativa centrada en la sanación, el regreso a sus raíces y la conexión con su identidad.

Maluma Loco x Volver: una nueva era para el artista colombiano

Loco x Volver nace como un recorrido por las sonoridades que han acompañado la vida de Maluma. Más que un álbum convencional, el proyecto se presenta como una obra atravesada por recuerdos, emociones, colaboraciones y una mirada más vulnerable sobre su historia personal y musical.

Según lo anunciado, el disco contará con 14 canciones y tendrá como fecha de lanzamiento el 15 de mayo de 2026. La portada del álbum incluye una imagen de la infancia del artista, un elemento que refuerza el sentido de retorno, memoria y reconexión con Juan Luis, más allá del personaje global que ha construido como Maluma. 

Este nuevo trabajo llega tres años después de Don Juan, publicado en 2023, y abre una etapa en la que el artista vuelve a mirar hacia Colombia, sus raíces y los sonidos que han marcado su vida. 

“1+1” junto a Kany García lidera rankings de Billboard

Uno de los puntos más fuertes de esta nueva era es “1+1”, colaboración de Maluma junto a Kany García. El tema alcanzó el número uno en los listados Latin Airplay y Tropical Airplay de Billboard, consolidándose como uno de los lanzamientos clave del proyecto. 

La canción une la voz de Maluma con la sensibilidad interpretativa de Kany García, en una apuesta que amplía el universo emocional del álbum. Su llegada al primer lugar de estos rankings confirma que Maluma Loco x Volver no solo despierta expectativa entre sus seguidores, sino que también llega con fuerza dentro de la industria musical latina.

Colaboraciones que amplían el universo del álbum

El álbum incluye canciones que ya han empezado a dar forma al concepto de esta nueva etapa. Entre ellas aparece “Botero”, junto a Arcángel y NTG, una colaboración que aporta el peso urbano al proyecto y conecta con una estética más callejera y directa.

También está “Pa la seca”, junto a Ryan Castro, una canción que suma la energía del nuevo urbano colombiano y refuerza la presencia de Medellín como uno de los epicentros actuales de la música latina.

Otro de los temas más emotivos es “Con el corazón”, grabado junto a Yeison Jiménez. La canción fue lanzada como una colaboración póstuma tras el fallecimiento del artista colombiano en enero de 2026, y se ha convertido en un homenaje a su legado y a la amistad que compartió con Maluma. 

“Con el corazón”, el homenaje a Yeison Jiménez

Dentro de Maluma Loco x Volver, “Con el corazón” ocupa un lugar especial. El tema reúne a dos artistas colombianos de universos distintos, pero unidos por una conexión emocional y musical que quedó registrada en una canción cargada de significado.

El lanzamiento de esta colaboración conmovió a la audiencia latina por el contexto en el que llegó: después de la muerte de Yeison Jiménez, el tema se transformó en un recuerdo musical de su voz, su historia y su relación con Maluma.

Esta canción refuerza el tono humano del álbum. Loco x Volver no se limita a mostrar una etapa artística, sino que también abre espacio para la memoria, la amistad, el duelo y la gratitud.

Un álbum sobre volver a la raíz

El concepto de Maluma Loco x Volver está atravesado por una idea clara: regresar. Volver a la esencia, a la infancia, a Medellín, a Colombia y a las emociones que han construido al artista antes y después de la fama.

En ese sentido, el álbum se distancia de una narrativa puramente comercial y se acerca a una búsqueda más íntima. Maluma presenta un proyecto que no solo quiere sonar en plataformas, sino contar una historia personal desde sus propias raíces.

El video con el que anunció el álbum refuerza esa intención. Más que una pieza promocional, funciona como una declaración emocional dirigida a sus seguidores, quienes han acompañado su evolución desde sus primeros pasos en la música hasta su consolidación internacional.

Maluma y su madurez creativa

Con más de una década de carrera, Maluma ha construido una trayectoria marcada por éxitos globales, colaboraciones internacionales y una presencia constante en la música latina. Sin embargo, Loco x Volver parece abrir un capítulo distinto: uno más conectado con la introspección, la sanación y la necesidad de contar desde un lugar más honesto.

El proyecto llega en un momento de madurez creativa para el artista. Sus sencillos previos muestran distintas facetas: la sensibilidad de “1+1”, el homenaje emocional de “Con el corazón”, la fuerza urbana de “Botero” y la energía colombiana de “Pa la seca”.

Esa variedad permite anticipar un álbum que busca moverse entre géneros, emociones y públicos, sin perder el hilo conductor de la identidad.

Una nueva etapa para el pop latino

Maluma Loco x Volver se perfila como uno de los lanzamientos más esperados de la música latina en 2026. Con una propuesta íntima, colaboraciones de alto impacto y una narrativa centrada en el regreso a sus raíces, el artista colombiano abre una nueva era en su carrera.

El álbum estará disponible desde el 15 de mayo de 2026 en plataformas digitales. Mientras tanto, sus sencillos ya marcan el camino de un proyecto que promete mostrar a Maluma desde una faceta más personal, emocional y profundamente conectada con Colombia.

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La canción narra la historia de dos personas que, pese a no poder estar juntas, conservan la certeza de que su vínculo fue real. A través de su letra, el tema plantea una reflexión sobre el destino y las decisiones de vida, conectando con quienes han vivido relaciones que no lograron concretarse.

Un sonido urbano con carga emocional

El sencillo combina la base rítmica del reggaetón con una narrativa emocional que busca conectar desde el sentimiento. Según el artista, se trata de una canción pensada para “perrear llorando o llorar perreando”, una fórmula que mezcla ritmo y melancolía.

La producción estuvo a cargo de Ousix On The Beat, con masterización de Jey El Faro, y fue grabada en Legacy Music Studio, ciudad clave en la consolidación de la música urbana en Latinoamérica.

De afro a reggaetón: un giro impulsado por redes

Uno de los datos más llamativos del proceso creativo es que el tema fue concebido inicialmente con una base afro. Sin embargo, durante una transmisión en TikTok, la comunidad del artista sugirió transformarlo en reggaetón.

La reacción del público fue inmediata, llegando incluso a comparar el sonido con referentes como Maisak, Andy Rivera y Nicky Jam.

Videoclip y narrativa visual

El videoclip oficial refuerza la historia del sencillo, mostrando el dolor de una relación que no puede concretarse, pero que mantiene viva la esperanza.

Fue grabado en Cinematools y contó con una jornada de rodaje de aproximadamente cinco horas y media. En este proceso, Jarka participó activamente en la construcción del guion, explorando su faceta actoral y dramática.

¿Quién es Jarka?

Detrás del proyecto está Juan Camilo Arango Gutiérrez, conocido artísticamente como Jarka, cantante nacido en Cali en 2002. Desde joven combinó su interés por el fútbol con su pasión por la música, participando en concursos de canto.

Desde 2022 inició su carrera profesional, destacándose por su capacidad para contar historias dentro de géneros como bachata, música de banda, reggaetón y afrobeat.

En su trayectoria sobresalen canciones como “Prototipo”, con más de 500 mil reproducciones, y “Quién te dijo”, que superó el millón. Además, ha llevado su música a escenarios con más de 4.000 asistentes y ha participado en eventos como la Feria de Flores.

Con “Dios no se equivoca”, el artista continúa consolidando su propuesta dentro de la música urbana colombiana, apostando por letras que conectan desde la emoción y la experiencia personal.

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Este estreno se suma a una serie de lanzamientos que el artista ha presentado en 2026, consolidando una narrativa musical que combina lo emocional, lo cultural y la identidad. Canciones recientes han evidenciado una apuesta por explorar nuevas sonoridades sin perder la esencia latina.

Un sonido que mezcla lo global con lo local

“Pa’ la seca” es un reggaetón con influencias de dancehall que destaca por su tempo medio y una producción que equilibra lo melódico con lo urbano. La unión entre ambos artistas logra un contraste interesante: por un lado, el sonido sofisticado y global de Maluma; por el otro, la energía directa y callejera de Ryan Castro.

La canción desarrolla una historia ambientada en una discoteca, donde una conexión casual entre los protagonistas y una “baby top” evoluciona hacia una narrativa de deseo y atracción. Este enfoque conecta con tendencias actuales del género, donde lo cotidiano se transforma en relato musical.

Además, el coro se posiciona como uno de los elementos más fuertes del sencillo, gracias a su carácter pegajoso y potencial de viralidad en plataformas digitales, un factor clave en el posicionamiento de la música urbana actual.

Un videoclip con identidad colombiana

El videoclip oficial, dirigido por Stillz, amplía el concepto de la canción al trasladar la historia a Estados Unidos. Allí, los artistas interpretan a dos colombianos que trabajan vendiendo flores en las calles, construyendo una narrativa de esfuerzo y migración.

A lo largo del video, los protagonistas interactúan con diferentes personajes mientras reúnen dinero con un objetivo claro: regresar a su país de origen. El desenlace refuerza esta idea mostrando elementos como pasaportes y tiquetes de avión, símbolos del retorno y la conexión con las raíces.

Las flores, elemento central del videoclip, funcionan como una metáfora de Colombia como potencia exportadora, aportando un componente simbólico que fortalece el discurso cultural del proyecto.

Una nueva etapa en la carrera de Maluma

Con este lanzamiento, Maluma reafirma una etapa artística enfocada en la narrativa y la identidad, donde cada sencillo forma parte de un universo conceptual más amplio. La colaboración con Ryan Castro no solo responde a una estrategia musical, sino también a una conexión generacional dentro del movimiento urbano colombiano.

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Con este lanzamiento, el cantante reafirma su capacidad para conectar con su audiencia a través de historias cercanas, manteniendo una identidad que lo ha consolidado como una de las voces representativas de la música urbana en Colombia.

Una canción sobre rupturas y emociones encontradas

“La culpa” aborda uno de los momentos más comunes tras una ruptura: la búsqueda de responsables. La narrativa gira en torno a ese instante en el que surgen dudas, reproches y reflexiones personales, mientras persiste la sensación de que la relación tenía futuro.

El tema logra transmitir esa dualidad emocional entre señalar al otro o cuestionarse a sí mismo. A través de una interpretación cargada de sentimiento, Reykon construye una conexión directa con quienes han atravesado experiencias similares.

Un adelanto de su nuevo álbum

El sencillo forma parte del camino hacia el próximo proyecto discográfico del artista, el cual promete mostrar una versión más cercana y auténtica. Este nuevo trabajo musical busca consolidar la evolución de Reykon sin perder la esencia que lo posicionó en la industria.

Su anterior lanzamiento, “Tal para cual”, tuvo un impacto significativo en plataformas digitales, alcanzando el puesto #1 en TikTok y ubicándose en el #13 del listado Top Songs Colombia de Spotify. Estos resultados evidencian su alcance entre nuevas generaciones y su vigencia en el panorama musical.

Evolución en la música urbana colombiana

Con “La culpa”, Reykon continúa explorando nuevas formas de expresión dentro de la música urbana, integrando elementos de nostalgia y madurez en su propuesta artística.

El lanzamiento se perfila como uno de los movimientos clave en su carrera reciente, al anticipar un álbum que busca fortalecer su narrativa musical y ampliar su conexión con el público.

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Una apuesta sonora con identidad tropical

El lanzamiento de “Discúlpeme Señor” destaca por su fusión de ritmos afro, electrónicos y caribeños, elementos que se han convertido en tendencia dentro de la música latina actual. La canción inicia con un ambiente sonoro relajado, inspirado en el mar, que evoluciona hacia una propuesta más energética y bailable.

Este sencillo fue escrito por Greeicy junto a un equipo de productores y compositores liderado por CASTA, quien también estuvo a cargo de la producción. El resultado es una canción que mantiene una línea coherente con el enfoque musical que la artista ha desarrollado desde 2025, centrado en el empoderamiento femenino y la exploración de nuevas sonoridades.

Narrativa y concepto: una mujer directa y sin filtros

En “Discúlpeme Señor”, la artista interpreta a una mujer segura de sí misma, que expresa abiertamente su interés amoroso. Esta narrativa refuerza el mensaje de autenticidad, libertad y decisión, aspectos que han sido constantes en sus recientes lanzamientos.

La propuesta lírica se complementa con una energía traviesa y aventurera, que conecta con la identidad escénica de Greeicy y su evolución artística.

Videoclip con estética vintage y narrativa teatral

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip dirigido por Sebastián Villota y co-dirigido por la propia artista. En esta producción audiovisual, Greeicy explora su faceta actoral junto a la actriz Luces Velásquez.

El video se inspira en la estética vintage de los cabarets de mediados del siglo XX, donde la cantante interpreta a una bailarina bajo la dirección de una figura dominante. Esta narrativa visual aporta una capa adicional de storytelling que fortalece el concepto del sencillo.

Parte de un nuevo ciclo musical

“Discúlpeme Señor” es el segundo lanzamiento de Greeicy en 2026, después de su colaboración “Mantis” junto a Cultura Profética. Ambos temas hacen parte del camino hacia su cuarto álbum de estudio, “Candela”.

A estos sencillos se suman otros lanzamientos recientes como “El Limonar”, “Estas Ganas”, “Quiero+” y “Curándote”, que reflejan una etapa de evolución artística y consolidación internacional.

Además, la artista continúa ampliando su presencia global con una colaboración junto a Steve Aoki y Farruko en el tema “Ya Pa’ Qué”, presentado en el Ultra Music Festival y disponible en plataformas digitales en mayo.

Proyección internacional y posicionamiento

Con este nuevo lanzamiento, Greeicy reafirma su lugar dentro de la música latina contemporánea, apostando por la mezcla de géneros y una narrativa artística coherente con las tendencias globales. Su crecimiento internacional continúa respaldado por colaboraciones estratégicas y una identidad musical en constante evolución.

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Este lanzamiento marca una nueva etapa en su carrera, en la que apuesta por ritmos globales con influencia latina. El EP llega con el sencillo principal “TODOMENTAL”, una canción que resalta por su energía, su ritmo envolvente y una lírica centrada en las emociones y el deseo.

“TODOMENTAL”, el foco del EP

El tema “TODOMENTAL” se posiciona como el eje del proyecto. Con una base de afrobeat latino, la canción propone una experiencia sonora que invita al movimiento y a la conexión emocional.

La letra explora la idea de que muchas barreras personales se originan en la mente, un concepto que se traduce en una narrativa directa y contemporánea.

Un sonido que mezcla ritmos y raíces

En “La Joya del Caribe”, Jheral desarrolla una propuesta que combina influencias urbanas con sonidos tropicales. El EP incluye canciones como “AHI WE”, “YOGA”, “TODOMENTAL” y “SHORTY”, cada una con matices distintos que van desde lo bailable hasta lo íntimo.

Esta diversidad sonora refleja una búsqueda por conectar con diferentes públicos, manteniendo una base rítmica coherente con el afrobeat latino.

Una apuesta por lo global con identidad latina

Más allá de un lanzamiento musical, el EP representa el concepto artístico de Jheral. “La Joya del Caribe” funciona como una carta de presentación de su universo creativo, donde convergen la sensualidad, la diversidad cultural y la vitalidad del Caribe.

Con este proyecto, el artista se proyecta como una de las nuevas voces del género, apostando por sonidos que dialogan con tendencias internacionales sin perder su raíz latina.

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Eden Muñoz Cristian Castro se unen en “Osadía”, una colaboración que llega como un nuevo himno al desamor y que reúne dos universos musicales con una fuerza emocional muy clara: la de quien lo dio todo en una relación, hizo las cosas bien y aun así terminó enfrentando una despedida.

El nuevo sencillo de Eden Muñoz junto a Cristian Castro ya está disponible en plataformas digitales y llega precedido por una conversación orgánica en redes sociales, impulsada por la conexión de ambos artistas con sus audiencias y por los adelantos que despertaron expectativa antes del estreno oficial.

Eden Muñoz Cristian Castro presentan “Osadía”

“Osadía” parte de una idea sencilla, pero poderosa: no todo el dolor nace del engaño o la traición. A veces, el desamor también llega después de haber amado bien, de haberse entregado con honestidad, de “bajar las estrellas” y de intentar sostener una historia que no tuvo la misma reciprocidad del otro lado.

Desde esa mirada, Eden Muñoz Cristian Castro logran construir una canción que conecta con una emoción muy reconocible: el desengaño que aparece cuando una persona siente que hizo todo lo que estaba a su alcance, pero aun así terminó perdiéndose en una relación rota.

El tema conserva una esencia profundamente mexicana, con el acordeón como uno de los elementos que marca la pauta musical. Esta sonoridad acompaña una interpretación cargada de sentimiento, en la que las voces de ambos artistas se complementan desde lugares distintos: la sensibilidad narrativa de Eden Muñoz y la potencia romántica de Cristian Castro.

Una canción sobre amar bien y aun así perder

En “Osadía”, la letra no busca dramatizar el dolor, sino reconocerlo desde una honestidad directa. Frases como “me he quedado sin mí, sin ti, sin los dos”, “me entregué como dice el manual” o “ni las gracias me dio” reflejan la historia de alguien que intentó amar de la forma correcta, pero terminó enfrentando una ausencia emocional difícil de explicar.

La fuerza de la canción está justamente en esa claridad. No habla del típico desamor marcado por una traición evidente, sino de una herida más silenciosa: la de haber dado todo sin recibir lo mismo a cambio.

Por eso, Eden Muñoz Cristian Castro convierten “Osadía” en una pieza cercana para quienes han vivido una relación en la que el amor no fue suficiente. La canción pone en palabras ese momento en el que alguien entiende que también puede doler haber hecho las cosas bien.

Dos artistas en momentos clave de sus carreras

La colaboración llega en un momento importante para ambos artistas. Eden Muñoz atraviesa una etapa de consolidación en su carrera, con una propuesta musical que no depende de fórmulas, sino de la claridad con la que logra comunicar emociones complejas en un lenguaje cercano.

El artista ha definido la música como su salvavidas y, en esta nueva etapa, se ha convertido en una voz capaz de traducir historias de amor, pérdida y vulnerabilidad desde una sensibilidad actual, conectada con audiencias que buscan canciones reales.

Por su parte, Cristian Castro llega a esta colaboración con una trayectoria ampliamente consolidada dentro de la música latina. Su catálogo hace parte de la memoria emocional de varias generaciones y su presencia continúa conectando con nuevos públicos, no solo por su voz, sino también por una personalidad que se mantiene vigente en la conversación digital.

En ese cruce aparece la fuerza de “Osadía”: una canción donde el regional, la balada y el sentimiento popular encuentran un punto de encuentro natural.

Una colaboración que nació desde la espontaneidad

La historia detrás de Eden Muñoz Cristian Castro en “Osadía” también ha tenido un componente espontáneo. Antes del lanzamiento, Cristian Castro invitó a Eden Muñoz a cantar junto a él “Azul”, uno de sus temas más recordados. Ese momento posicionó la relación entre ambos artistas en redes sociales y generó una reacción inmediata entre los seguidores.

Luego llegaron los primeros avances de “Osadía”, que comenzaron a circular con fuerza en TikTok. El contenido acompañado por un lyric video alcanzó más de 376 mil likes, confirmando que la canción ya estaba encontrando un lugar entre la audiencia incluso antes de su estreno oficial.

A esta conversación se sumó la palabra “chipocluda”, usada por Cristian Castro para describir la canción, un detalle que terminó alimentando una viralidad no planeada y reforzando el carácter auténtico del lanzamiento.

El video oficial de “Osadía”

El sencillo llega acompañado de un video oficial que refuerza la emotividad de la canción y muestra el encuentro entre dos universos musicales que, aunque distintos, logran complementarse con naturalidad.

La pieza visual combina escenas de Eden Muñoz y Cristian Castro con una historia de desamor marcada por la búsqueda de respuestas. El relato presenta a un personaje que se enfrenta a sus propias preguntas y se encuentra con la figura de un ángel que tal vez nunca existió.

Con una estética cinematográfica, el video potencia el sentido emocional de “Osadía” y acompaña la interpretación vocal de ambos artistas, dejando como resultado una propuesta visual coherente con la intensidad de la canción.

“Osadía”, una canción que encontró su camino

En un entorno musical donde muchas veces la viralidad parece planearse desde el inicio, “Osadía” destaca por un camino distinto. La canción no busca imponerse, sino encontrarse con una audiencia que ya estaba lista para recibirla.

Con esta colaboración, Eden Muñoz Cristian Castro entregan una canción honesta, emocional y directa, que habla del desamor desde un lugar menos evidente, pero profundamente humano: el de quien amó bien, hizo lo posible y aun así tuvo que aceptar la pérdida.

“Osadía” ya está disponible en todas las plataformas digitales.

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GianMarco Laura Pausini Bogotá fue una de las combinaciones más emotivas de la noche musical en la capital colombiana. El cantautor peruano fue invitado especial durante el concierto de la artista italiana y juntos interpretaron “Hoy”, una de las canciones más icónicas de su autoría, en una versión íntima que conectó profundamente con el público.

La presentación se convirtió en uno de los momentos más memorables de la velada. GianMarco subió al escenario acompañado de su charango para reencontrarse con una composición que ha marcado su historia como autor y que alcanzó reconocimiento mundial en la voz de Gloria Estefan.

GianMarco y Laura Pausini emocionaron a Bogotá con “Hoy”

La noche del 23 de abril en Bogotá tuvo un momento especial cuando GianMarco apareció como invitado en el concierto de Laura Pausini. El encuentro entre ambos artistas no solo sorprendió a los asistentes, sino que también celebró la fuerza de la música latina y el valor de las canciones que logran cruzar generaciones.

Juntos interpretaron “Hoy”, una de las obras más representativas del cantautor peruano. Aunque muchos la recuerdan por la interpretación de Gloria Estefan, la canción nació de la pluma de GianMarco, quien ha construido una carrera sólida no solo como intérprete, sino también como compositor de grandes éxitos para artistas de talla internacional.

En esta ocasión, la canción tomó un aire diferente. El sonido del charango aportó una atmósfera íntima, cercana y profundamente emocional. La interpretación permitió escuchar “Hoy” desde un lugar más orgánico, con una sensibilidad que reafirmó la conexión de GianMarco con sus propias composiciones.

Una canción que ha cruzado generaciones

El momento de GianMarco Laura Pausini Bogotá tuvo un valor especial porque puso nuevamente en escena una canción que forma parte de la memoria musical de Latinoamérica. “Hoy” es una de esas composiciones que han logrado mantenerse vigentes por su carga emocional, su melodía y su capacidad de conectar con distintas audiencias.

La interpretación junto a Laura Pausini también evidenció la admiración y el respeto que existe entre grandes figuras de la música en español. La artista italiana, reconocida por su potencia vocal y su cercanía con el público latinoamericano, compartió escenario con uno de los compositores más importantes de la región en una presentación cargada de emoción.

Para el público bogotano, el momento fue una oportunidad de vivir en directo la historia detrás de una canción reconocida internacionalmente. La presencia de GianMarco no solo sumó sorpresa al concierto, sino también un componente simbólico: el autor interpretando su propia obra en compañía de una de las voces más queridas de la música romántica.

GianMarco, el compositor detrás de grandes éxitos latinos

La carrera de GianMarco ha trascendido su propia voz. A lo largo de los años, sus canciones han hecho parte del repertorio de algunos de los artistas más importantes de la música latina, consolidándolo como uno de los compositores más respetados y solicitados de la industria.

Entre sus composiciones más reconocidas se encuentran temas interpretados por Gloria Estefan, como “Hoy”, “Tu Fotografía”, “Mientras Tanto” y “Tan Iguales y Tan Diferentes”. También ha escrito canciones para Alejandro Fernández, entre ellas “Canta Corazón”, “Tengo Ganas”, “No Se Me Hace Fácil”, “El Mismo Sol”, “Dibujando Un Corazón” y “Dame Un Minuto”.

Su pluma también ha llegado a la voz de Marc Anthony, con canciones como “Este Loco Que Te Mira”, “Hasta Que Vuelvas Conmigo” y “Caminaré”. Además, artistas como Paulina Rubio, Cristian Castro, Diego Torres, Carlos Rivera, Fonseca, Soledad Pastorutti y Ha*Ash han interpretado canciones escritas por el cantautor peruano.

Este recorrido confirma el lugar de GianMarco como un creador fundamental para la música en español. Sus letras han acompañado historias personales, romances, despedidas y momentos inolvidables para millones de oyentes.

Una nueva etapa musical para GianMarco

Tras su emotiva aparición en Bogotá junto a Laura Pausini, GianMarco se prepara para iniciar una esperada gira que tendrá como primera parada Perú durante el mes de mayo. En este recorrido, el artista visitará distintas ciudades con un espectáculo íntimo y poderoso, pensado para celebrar su historia, sus canciones y la relación cercana que mantiene con su público.

Además, el cantautor ya trabaja en su próximo álbum de estudio. Este nuevo proyecto promete explorar nuevas sonoridades sin perder la esencia que ha definido su carrera: canciones honestas, sensibilidad interpretativa y una mirada profunda sobre las emociones humanas.

El encuentro GianMarco Laura Pausini Bogotá dejó claro que hay canciones capaces de volver a emocionar sin importar cuántos años pasen. “Hoy” volvió a sonar con fuerza, esta vez desde el escenario bogotano, recordando que detrás de muchos himnos de la música latina hay autores cuya sensibilidad sigue marcando generaciones.

La entrada GianMarco Laura Pausini: la emotiva interpretación de “Hoy” en Bogotá se publicó primero en Canal Trece.

Trueno TURR4ZO marca una nueva etapa en la carrera del artista argentino, quien presenta su cuarto álbum de estudio con una propuesta profundamente conectada con las raíces sonoras, culturales y barriales de Argentina. El proyecto, disponible en plataformas digitales, combina hip-hop, sampling, identidad popular y colaboraciones que conectan distintas generaciones de la música latinoamericana.

Con este lanzamiento, Trueno TURR4ZO no solo amplía el universo creativo del rapero, sino que también convierte a Argentina en protagonista de una conversación musical global. El álbum se construye como una carta de amor a los barrios, a los códigos del “turro”, a la memoria musical del país y a las nuevas formas de entender el hip-hop en español.

Trueno presenta su álbum más conceptual

Coproducido por Trueno junto a su productor habitual Tatool y El Guincho, reconocido por su trabajo con artistas como Rosalía, Björk, Charli XCX, BTS y FKA Twigs, TURR4ZO se presenta como uno de los trabajos más ambiciosos y conceptuales del artista.

En este nuevo álbum, Trueno explora las raíces musicales argentinas a través del uso de samples que conectan pasado, presente y futuro. La producción funciona como un puente entre distintas épocas, sonidos e imaginarios culturales, permitiendo que figuras históricas de la música argentina dialoguen con los códigos actuales del hip-hop, la cumbia, el freestyle y los sonidos urbanos.

Más que una recopilación de canciones, Trueno TURR4ZO propone una narrativa. Cada tema suma una pieza al retrato de una Argentina barrial, popular, orgullosa de sus acentos y capaz de proyectar su identidad hacia el mundo.

El barrio como centro de la identidad de TURR4ZO

Uno de los ejes centrales del álbum es la figura del turro, entendido como un arquetipo del joven argentino de clase trabajadora, cuya estética, lenguaje, actitud y sentido de pertenencia han influido en la cultura visual, musical y urbana del país desde la década de los noventa.

Trueno toma este imaginario y lo convierte en materia artística. En lugar de mirar el barrio desde la distancia, lo presenta como origen, motor creativo y territorio simbólico. En esa línea aparece el tema central “TURRAZO”, construido alrededor de “Tírate un Paso”, canción de Los Wachiturros que marcó a una generación y llevó la cumbia villera a una dimensión masiva y comercial.

Con esta referencia, el artista no solo rinde homenaje a una agrupación que influyó en su vida, sino que también reconoce el peso de la cultura juvenil viral en la construcción de nuevas identidades musicales latinoamericanas.

El número 4 como símbolo del proyecto

En Trueno TURR4ZO, el número 4 aparece como un elemento clave. Se trata del cuarto álbum de estudio del artista, lanzado cuando tiene 24 años, e inspirado en la Comuna 4, el barrio de Buenos Aires donde creció.

Esta presencia del número 4 no es decorativa: funciona como un hilo conceptual que atraviesa el proyecto y refuerza la relación entre la historia personal de Mateo Palacios Corazzina, nombre real de Trueno, y su evolución como una de las voces más influyentes del hip-hop latino.

El álbum también incluye “RAIN IV”, la cuarta entrega de una serie de canciones más introspectivas del artista. En este tema, Trueno deja a un lado la figura de estrella global para darle espacio a Mateo, el hijo que reconoce el legado de sus padres: el rapero uruguayo Pedro Palacios, conocido como MC Peligro, y su madre, Juliana Corazzina.

Samples, leyendas y nuevas generaciones

Como ha ocurrido en trabajos anteriores, Trueno vuelve a rendir tributo a quienes han construido caminos musicales antes que él. Sin embargo, en esta ocasión el foco está puesto en Argentina y en su memoria sonora.

En canciones como “CON EL COMBO”, “ZOMBI” y “PUMAS”, aparecen referencias y resonancias de artistas como Sandro, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, Chaqueño Palavecino y Carlos Gardel, integradas mediante un trabajo de sampling que fortalece el concepto del álbum.

Las colaboraciones también tienen un papel importante en Trueno TURR4ZO. El proyecto reúne a figuras legendarias y representantes de la nueva generación. Entre los invitados se encuentran Pity Álvarez en “PITY IN THE SKY”, Andrés Calamaro en “1000 HORAS”, Rubén Rada en “URUGUAY”, Milo J en “PUMAS”, Neo Pistea en “GRILLZ” y María Becerra en “90s”.

Esta mezcla de nombres refuerza la intención del álbum: poner en conversación el pasado y el presente, la tradición y la innovación, lo barrial y lo global.

“X UNAS LLANTAS”, el adelanto de una nueva era

Antes del lanzamiento completo del álbum, Trueno presentó “X UNAS LLANTAS”, el único adelanto de esta producción. En esta canción fusiona chacarera, mambo dominicano, house y hip-hop para hablar de las zapatillas deportivas como símbolo de estatus, identidad y pertenencia entre jóvenes de Argentina y Latinoamérica.

El tema funciona como una muestra clara del espíritu de TURR4ZO: una producción que no le teme a la mezcla, que entiende la cultura urbana como un lenguaje amplio y que reconoce en los objetos cotidianos una forma de narrar clase, deseo, barrio y aspiración.

TURR4ZO tracklist

1. CON EL COMBO
2. X UNAS LLANTAS
3. TURRAZO
4. PUMAS
5. ZOMBI
6. ESTILO SUDAKA
7. BAILANDO SOLA
8. 90’s feat. María Becerra
9. URUGUAY feat. Rubén Rada
10. GRILLZ feat. Neo Pistea
11. DELIVERY FREESTYLE
12. 1000 HORAS feat. Andrés Calamaro
13. RAIN IV
14. PITY IN THE SKY feat. Pity Álvarez

Trueno y el nuevo mapa del hip-hop latino

Con tan solo 24 años, Trueno se ha consolidado como una de las voces más importantes del rap argentino y del hip-hop en español. Su recorrido incluye títulos en competencias de freestyle, éxitos globales, colaboraciones internacionales, nominaciones y reconocimientos en los Latin GRAMMY®, además de giras por Europa, Latinoamérica y Estados Unidos.

Con Trueno TURR4ZO, el artista abre una nueva era creativa. El álbum no busca imitar el sonido global del hip-hop, sino sumar una identidad propia a esa conversación. Desde Argentina, desde la Comuna 4 y desde los códigos del barrio, Trueno transforma su historia en un lenguaje musical capaz de cruzar fronteras.

TURR4ZO ya está disponible en todas las plataformas digitales.

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Mito & Didier Novedades es el nuevo lanzamiento del dúo de hermanos cantautores, una propuesta que combina regional mexicano con sonidos urbanos contemporáneos.

El regional mexicano sigue abriéndose camino entre nuevas audiencias, y esta vez son Mito & Didier quienes llegan con una propuesta fresca, juvenil y con identidad propia. El dúo presenta “Novedades”, su nuevo sencillo, una canción que mantiene la esencia del género, pero incorpora matices urbanos para conectar con una generación que consume la música desde la mezcla, la experimentación y la autenticidad. 

“Novedades”, una canción con raíz mexicana y sonido actual

En “Novedades”, los sonidos del regional mexicano se mantienen como base principal, pero dialogan con elementos modernos que le dan dinamismo al tema. Esta mezcla permite que la canción conserve el carácter tradicional del género, mientras suma una producción más actual y cercana a las nuevas tendencias musicales.

La propuesta reafirma el camino artístico de Mito & Didier, quienes han venido construyendo una identidad sonora que no se limita a una sola etiqueta. Su música incorpora influencias del tumbado, trap, rap, jazz, reggae y sonidos urbanos, elementos que amplían su universo creativo dentro de una escena en constante transformación.

Mito & Didier: dos hermanos que buscan romper esquemas

MD Mito & Didier es un dúo de hermanos cantautores que, con 24 y 18 años, empieza a posicionarse dentro de la escena independiente. Su propuesta parte del regional mexicano, pero se alimenta de diferentes géneros para crear un sonido versátil, contemporáneo y con personalidad propia.

Con “Novedades”, el dúo no solo presenta una nueva canción, sino también una forma de entender el regional mexicano desde una mirada joven, urbana y global.

Un video musical fresco y juvenil

El lanzamiento de “Novedades” llega acompañado de un video musical dirigido por Armando Toppa, con dirección de fotografía de Dani Melo, edición y postproducción de Flips Mora, y producción de Rosa Helena Orozco.

La pieza visual refuerza el carácter actual del sencillo, con una estética fresca y juvenil que acompaña la evolución sonora del dúo. El resultado es una propuesta pensada para plataformas digitales y para una audiencia que busca música con raíz, pero también con innovación.

Producción de “Novedades”

El sencillo fue producido por Derek M. Muniz y Eduardo Jesús Villanueva Márquez, de Radiante MX, quien también estuvo a cargo de la mezcla y masterización. Esta dirección sonora consolida una propuesta coherente con el estilo de Mito & Didier y con el momento actual del regional mexicano.

“Novedades” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

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Fonseca Antes Que El Tiempo Se Vaya ya está al aire. El cantautor colombiano estrenó su nuevo álbum de estudio, una producción íntima, honesta y profundamente conectada con sus raíces, en la que vuelve a poner en el centro las emociones, la memoria, el amor y el paso del tiempo.

El disco, lanzado este 24 de abril de 2026, reúne 12 canciones y marca un nuevo capítulo en la carrera del artista colombiano. En esta producción, Fonseca explora distintas sonoridades de la música latina contemporánea, sin perder ese sello romántico, cálido y tropical que lo ha convertido en una de las voces más queridas de Colombia. 

Un álbum para cantar antes de que el tiempo se vaya

“Antes Que El Tiempo Se Vaya” llega como una invitación a mirar hacia adentro, valorar los momentos importantes y conectar con las historias que construyen la vida. El álbum tiene un tono profundamente personal y refleja una etapa artística en la que Fonseca se muestra más cercano, maduro y emocional.

La canción que da nombre al disco cuenta con la participación de Juanes, una colaboración que une a dos de los artistas colombianos más representativos de la música latina. Además, el álbum incluye colaboraciones con Rubén Blades, Manuel Medrano, Nanpa Básico, Rawayana y Río Roma, una mezcla de voces y estilos que amplía el universo sonoro de esta nueva producción. 

Fonseca vuelve a sus raíces con una mirada renovada

Este lanzamiento llega después de sencillos como “Venga lo que venga”, junto a Rawayana; “Nunca me fui”, con Rubén Blades; “Enamorarte Mil Veces”, en colaboración con Manuel Medrano; y “Celebrar”, canciones que ya venían mostrando el espíritu emocional y diverso de esta etapa musical. 

Con Fonseca Antes Que El Tiempo Se Vaya, el artista reafirma su capacidad de evolucionar sin desprenderse de su esencia. El álbum conserva esa mezcla de romanticismo, raíz colombiana y sensibilidad latina que ha acompañado su carrera, pero ahora desde una narrativa más íntima, reflexiva y honesta.

Una nueva etapa para Fonseca

Más que un disco, “Antes Que El Tiempo Se Vaya” se siente como una declaración artística: cantar lo vivido, abrazar lo aprendido y celebrar lo que aún queda por sentir. Fonseca entrega una obra pensada para quienes han crecido con su música y para quienes encuentran en sus canciones una forma de recordar, sanar y celebrar.

El álbum ya está disponible en plataformas digitales.

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La canción aborda la dificultad de dejar atrás un amor significativo, un tema recurrente que conecta con audiencias amplias. A través de una interpretación directa, el sencillo se posiciona como una apuesta honesta dentro del panorama musical actual.

Un videoclip en el Salar de Uyuni

El lanzamiento está acompañado por un videoclip grabado en el Salar de Uyuni, en Bolivia, reconocido como uno de los paisajes más impactantes del mundo. Este escenario aporta una carga simbólica que refuerza el mensaje de la canción.

Más allá de su estética, el video incorpora un enfoque de resiliencia. La narrativa rinde homenaje a personas que enfrentan situaciones complejas de salud y a sus familias, integrando un componente emocional adicional al proyecto.

Proyección internacional y reconocimiento

Con este estreno, Nico Hernández atraviesa un momento relevante en su carrera. El artista ha sido nominado a los Premios Nuestra Tierra, convirtiéndose en uno de los representantes más jóvenes del género en alcanzar este reconocimiento.

Paralelamente, adelanta una gira internacional en cinco países, consolidando su crecimiento en mercados fuera de Colombia y ampliando su alcance dentro de la industria musical.

Una propuesta musical propia

Nacido en Bogotá en el año 2000, Nico Hernández ha desarrollado una identidad sonora bajo el concepto de “Musari”, una mezcla de estilos que busca renovar el género regional con influencias actuales.

Este lanzamiento reafirma su intención de posicionarse como una de las nuevas voces de la música latinoamericana, combinando narrativa emocional con propuestas sonoras innovadoras.

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Radicada en Estados Unidos, la artista caleña presenta una propuesta que mezcla cumbia y pop, una combinación que busca conectar con nuevas audiencias sin perder la esencia de la música colombiana. Este lanzamiento se convierte en su nueva carta de presentación ante el público que la ha acompañado en su trayectoria.

Un homenaje a las raíces colombianas

“Nuestra cumbia” es una canción que evoca las fiestas tradicionales de barrio y pueblo, espacios donde la música se convierte en punto de encuentro entre vecinos, familia y amigos. La propuesta sonora transmite una sensación de cercanía, identidad y celebración colectiva.

La composición estuvo a cargo de Virgi Dart junto al argentino Fabián Farhat, mientras que la producción fue liderada por el colombiano David Zuluaga, reconocido por su trayectoria en la industria y ganador del Latin Grammy.

Un videoclip lleno de color y energía

El videoclip de “Nuestra cumbia” fue grabado en Mérida y se presenta como una propuesta visual cargada de color, baile y cultura latina. En el clip, la artista interpreta la canción en un ambiente festivo que recrea un bar lleno de vida, donde la cumbia y el sabor latino son protagonistas.

La dirección estuvo a cargo de Las Patas del Chamuco, quienes desarrollaron una narrativa visual enfocada en resaltar la energía, la luz y la identidad artística de la cantante.

Disponible en plataformas digitales

El sencillo “Nuestra cumbia” está disponible desde el 16 de abril en plataformas digitales y YouTube, consolidándose como uno de los lanzamientos recientes que apuestan por la fusión de géneros tradicionales con sonidos contemporáneos.

Con este regreso, Virgi Dart se prepara para retomar su presencia en Colombia, donde presentará oficialmente su música ante medios y público, en una nueva etapa que busca fortalecer su identidad artística a nivel nacional e internacional.

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Un álbum que recorre emociones y estilos

El disco “El Diferente” está compuesto por ocho canciones que exploran distintas emociones como el despecho, el enamoramiento y la decepción, manteniendo la esencia que ha caracterizado al artista a lo largo de su carrera. Este proyecto busca consolidar a Nacho Acero como una de las voces destacadas de la salsa en Colombia, apostando por una propuesta fresca sin perder la identidad del género.

El primer sencillo, que da nombre al álbum, fue presentado semanas atrás y ha servido como carta de presentación de esta nueva etapa musical.

Producción y colaboraciones destacadas

En la creación de este álbum participaron reconocidos compositores y productores. Entre ellos se encuentran Iván Calderón y Luis Lambis, quienes aportaron en la composición de varios temas. La producción musical estuvo a cargo de Orlando Libreros y Sebastián Velásquez, mientras que Jesús David Garcés participó en una versión pop incluida en el disco.

Esta combinación de talentos aporta dinamismo, modernidad y una sonoridad diversa que refuerza la propuesta de salsa moderna del artista.

Un proyecto para nuevas y viejas generaciones

“El Diferente” se presenta como un álbum pensado tanto para el bailador como para el oyente romántico. La propuesta mezcla ritmos tradicionales con nuevas influencias, generando una experiencia musical que busca atraer tanto a seguidores clásicos del género como a nuevas generaciones.

Además, este lanzamiento llega en un momento clave para la carrera del artista, quien ha sido nominado a los Premios Nuestra Tierra 2026 en dos categorías, lo que refuerza su proyección dentro de la industria musical.

Proyección internacional y lanzamiento digital

Con este trabajo, Nacho Acero también busca consolidar su presencia en mercados internacionales como México, Perú, Ecuador y Estados Unidos, ampliando el alcance de la salsa colombiana.

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El tema marca un momento relevante en la carrera de Mackie Ranks, al tratarse de su primera colaboración con una artista femenina colombiana. Este paso refleja la evolución del artista dentro del género y su interés por conectar con nuevas audiencias en América Latina, especialmente en un país como Colombia, que hoy es clave para la industria musical urbana.

Por su parte, Ary Uh continúa consolidando su camino dentro de la nueva generación del género urbano. La artista, originaria de Medellín, ha venido construyendo una identidad propia respaldada por Álvaro Osorio, figura clave en la proyección de talentos y padre del reconocido artista J Balvin. Este respaldo fortalece su presencia en la escena musical y le da impulso a este nuevo lanzamiento.

Una historia sobre conexiones inesperadas

En términos narrativos, “No Es Normal” aborda una temática emocional cercana al público joven: el gusto inesperado por alguien que apenas se está conociendo. La canción describe esa conexión intensa y diferente que surge desde el primer momento, convirtiéndose en una experiencia que rompe con lo habitual.

La producción musical estuvo a cargo de Dr Davinchi, junto a los productores Cyber y Hawe, quienes aportan un sonido moderno que mezcla autenticidad, frescura y experiencia. Esta combinación busca conectar tanto en plataformas digitales como en emisoras y redes sociales, donde el género urbano mantiene una alta rotación.

Medellín como escenario del videoclip

El lanzamiento está acompañado de un videoclip grabado en Provenza, uno de los sectores más representativos de Medellín. El video, dirigido por Cyber Music, resalta la escena urbana, la estética contemporánea y la energía musical que caracteriza a la ciudad, hoy considerada uno de los epicentros del género en Latinoamérica.

Con esta colaboración, “No Es Normal” se posiciona como una apuesta que no solo une territorios, sino también estilos y trayectorias. El resultado es un lanzamiento que refleja el dinamismo actual de la música urbana y su constante evolución en la región.

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La nueva propuesta musical de Navarrete hace parte de su proyecto de revisitar grandes éxitos del pasado, aportando una identidad propia desde el regional colombiano. En esta ocasión, el artista introduce fusiones con cumbia villera, logrando una versión que mantiene el carácter parrandero, pero con una carga emocional más profunda.

La canción, compuesta por A.B. Quintanilla y Pete Astudillo, se consolidó en los años 90 como un referente dentro del género Tex-Mex. Ahora, esta nueva adaptación se presenta como una lectura contemporánea que respeta la base original, pero añade matices sonoros que la acercan a los públicos actuales en Colombia.

Producción y sonido renovado

La grabación de “Como la flor” se realizó en Pereira, en los estudios de Apolo Music. Según la información del lanzamiento, esta versión representa una etapa más madura en la carrera de Juan Pablo Navarrete, quien apuesta por sonidos más elaborados y una interpretación vocal enfocada en la conexión emocional.

Este lanzamiento llega después del sencillo “Como expresar lo que siento”, con el que el artista ya venía consolidando su propuesta dentro del circuito musical nacional.

Video y propuesta audiovisual

El videoclip fue grabado en Cajicá, en las instalaciones de Rancho MX, bajo la dirección de Karol Sánchez. Este producto audiovisual hace parte de un proyecto más amplio: un álbum en vivo titulado “Más romántico”, donde el artista busca mostrar una faceta más íntima y cercana con su audiencia.

La producción audiovisual refuerza la intención del artista de generar una experiencia más personal, destacando la interpretación en vivo como elemento central de su propuesta.

Lanzamiento y gira nacional

La nueva versión de “Como la flor” estará disponible en plataformas digitales y YouTube desde el 16 de abril de 2026. Este estreno se enmarca dentro de la gira nacional de Juan Pablo Navarrete, en la que presenta sus más recientes sencillos y continúa posicionando su estilo dentro del panorama musical colombiano.

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Uno de los hechos más destacados fue su participación en el Ultra Music Festival, uno de los eventos más importantes de la música electrónica a nivel mundial. Allí, la artista presentó un adelanto de su nueva colaboración junto a Steve Aoki y Farruko, una propuesta que fusiona pop, electrónica y sonidos urbanos, generando expectativa sobre lo que podría convertirse en un nuevo hit global.

La presentación en este festival, que reúne a miles de asistentes cada año en Miami, reafirma la presencia de artistas latinoamericanos en escenarios internacionales de alto impacto y evidencia el crecimiento de la música latina en circuitos globales.

En paralelo, la artista también fortaleció su conexión con el público latinoamericano. Durante su show en el Saca el Pecho Fest 2026, realizado en la Isla de Margarita, Venezuela, logró reunir a más de 7.000 asistentes, quienes corearon sus canciones en una presentación que rápidamente se viralizó en redes sociales.

Este evento incluyó además la aparición sorpresa de Mike Bahía, lo que generó uno de los momentos más destacados de la jornada y reforzó la conexión emocional con el público. La presentación también sirvió como escenario para mostrar en exclusiva un nuevo lanzamiento, aumentando la expectativa entre sus seguidores.

Más allá de los escenarios, el impacto de Greeicy también se evidencia en su presencia en portadas de revistas nacionales e internacionales. Este posicionamiento la ubica no solo como una figura musical, sino como un referente de identidad, estilo y representación latina en la conversación global.

Desde Colombia, la artista continúa proyectando una imagen auténtica que conecta con audiencias internacionales. Su crecimiento confirma el papel de las voces femeninas en la industria musical y el avance del talento latino en mercados globales.

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Con “Deli”, el cantante apuesta por un sonido directo, envolvente y pegajoso, consolidando una identidad musical clara que busca conectar con nuevas audiencias. El lanzamiento llega en un momento clave, impulsado por el crecimiento de su presencia en plataformas digitales y el aumento de su comunidad en redes sociales.

Uno de los aspectos que ha llamado la atención es el impacto previo del sencillo en el entorno digital. Antes de su estreno oficial, la canción ya circulaba en redes, donde creadores de contenido y figuras públicas se sumaron a un baile viral, posicionando el tema como una de las tendencias emergentes dentro del urbano latino.

El video oficial de “Deli”, dirigido por Kamilo Monroy y protagonizado por la presentadora y modelo Alejandra Serje, apuesta por una narrativa visual basada en el contraste. La historia presenta a dos desconocidos que se cruzan y, a partir de ese instante, cada uno construye una versión distinta del encuentro. La propuesta utiliza la luz y la oscuridad como elementos simbólicos para representar la atracción.

Este lanzamiento también refleja el momento de crecimiento que atraviesa el artista. Su posicionamiento en la industria se ha visto impulsado por su actividad en plataformas musicales y su visibilidad mediática, consolidándolo como uno de los nuevos talentos con proyección internacional.

En esa línea, Jay Torres prepara una gira que lo llevará a diferentes ciudades de Estados Unidos y España, ampliando su alcance y fortaleciendo su presencia en el mercado global.

La entrada Jay Torres lanza “Deli” se publicó primero en Canal Trece.

Grabado en Medellín y producido por Jeyjenm y Gangsta, el tema apuesta por una base rítmica envolvente y dinámica. La mezcla de sonidos urbanos y caribeños construye una canción ágil, pensada para conectar tanto en radio como en escenarios en vivo.

Una propuesta rítmica y versátil

En “Bombón”, Kapo explora una línea más rítmica sin perder su identidad artística. La canción se apoya en melodías cálidas, percusiones marcadas y un coro pegajoso que facilita su recordación desde la primera escucha.

La letra mantiene un tono coqueto y celebratorio, alineado con la energía del tema. Este enfoque refuerza el estilo melódico del artista, que ha logrado posicionar varios de sus lanzamientos dentro del circuito latino.

Video con apuesta estética

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Dario Burbano y producido por Velodrome. La pieza visual propone una estética cuidada y elegante, con una narrativa que acompaña el ritmo festivo de la canción.

El video se suma a la línea conceptual que Kapo ha venido desarrollando en sus producciones recientes, en las que combina música y narrativa visual para fortalecer su propuesta artística.

Crecimiento en la escena internacional

Con este lanzamiento, Kapo continúa consolidando su presencia en la música urbana internacional. Su capacidad para moverse entre géneros y conectar con diferentes audiencias lo posiciona como una de las voces emergentes con mayor proyección.

“Bombón” se integra a su catálogo reciente, en medio de una etapa marcada por giras, colaboraciones y nuevos estrenos que evidencian su crecimiento dentro de la industria musical.

La entrada Kapo lanza “Bombón”, fusión de afrobeat y dancehall latino se publicó primero en Canal Trece.

El cantante colombiano Juan Pablo Navarrete presenta su nueva versión de “Como la flor”, uno de los clásicos más recordados de Selena Quintanilla, lanzado originalmente en 1992.

Esta reinterpretación llega como parte de su proyecto musical enfocado en revivir grandes éxitos, adaptándolos a sonidos actuales sin perder su esencia original.

Un clásico del Tex Mex llevado al regional colombiano

La nueva versión de “Como la flor” mantiene la carga emocional de la canción, pero incorpora elementos del regional colombiano y fusiones con cumbia villera, logrando un sonido más moderno.

El tema, compuesto por A.B. Quintanilla y Pete Astudillo, marcó a toda una generación en los años 90 y sigue siendo un referente del desamor en la música latina.

Con esta adaptación, Navarrete apuesta por una propuesta que mezcla lo parrandero con lo romántico, sin dejar de lado el sentimiento de dolor y traición que caracteriza la canción.

Producción musical y grabación en Colombia

La canción fue grabada en Pereira, en los estudios de Apolo Music, donde se desarrolló una propuesta más madura y cercana al estilo del artista.

Este lanzamiento hace parte del nuevo álbum en vivo titulado “Más romántico”, en el que el cantante busca conectar con su público desde una interpretación más íntima.

Video oficial grabado en Cajicá

El videoclip de “Como la flor” fue grabado en Cajicá, en las instalaciones de Rancho MX, bajo la dirección de Karol Sánchez.

El video hace parte de un formato en vivo que resalta la cercanía con la audiencia y muestra una faceta más natural del artista en escena.

Lanzamiento y disponibilidad

La canción estará disponible en plataformas digitales y YouTube desde abril de 2026, mientras Juan Pablo Navarrete continúa con su gira nacional presentando sus nuevos sencillos.

Este lanzamiento consolida su propuesta de reinterpretar clásicos con un enfoque contemporáneo dentro de la música colombiana.

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La conversación creció todavía más en las últimas horas con la confirmación de Rosalía como Mujer del Año, un reconocimiento que destaca su impacto artístico, comercial y cultural dentro de la escena global. Su nombre se suma al de otras artistas que también serán homenajeadas en una edición que mezcla trayectoria, evolución y nuevas voces con enorme proyección. 

Entre las homenajeadas confirmadas aparecen Gloria Trevi y Lola Índigo, anunciadas por Billboard como parte del grupo de figuras reconocidas en esta edición. A ellas se suman Becky G, Joy y Julieta Venegas, cuyos nombres ya habían sido revelados como parte de la gala, reforzando el peso artístico y generacional que tendrá la ceremonia de este año. 

La lista también incluye a Ivy Queen y Young Miko, dos artistas que representan momentos distintos pero igualmente poderosos dentro de la música latina actual. Su presencia en la gala amplía el alcance del evento, que no solo celebra carreras consolidadas, sino también la fuerza de quienes están redefiniendo el sonido y la identidad de la escena contemporánea. 

Otro de los anuncios que encendió la expectativa fue la confirmación de Chiquis como anfitriona del especial televisivo. Con ese ingrediente, Billboard Mujeres Latinas en la Música 2026 se consolida como una gala que no solo busca premiar, sino también conectar con una audiencia que sigue de cerca cada movimiento de sus artistas favoritas. 

Más allá de los premios, esta edición llega en un momento especialmente fuerte para la música hecha por mujeres en el mercado latino. La diversidad de las homenajeadas evidencia cómo conviven en la misma conversación la trayectoria de grandes referentes, la renovación estética de nuevas generaciones y la expansión internacional de artistas que hoy ocupan titulares, rankings y plataformas. Esa mezcla es justamente la que vuelve tan potente esta celebración.

Con una gala que reunirá nombres de alto impacto y una audiencia pendiente de cada presentación, homenaje y aparición especial, Billboard Mujeres Latinas en la Música 2026 promete convertirse en uno de los eventos clave del calendario musical de abril. La expectativa ya está instalada y todo apunta a una noche marcada por el talento, el reconocimiento y la visibilidad de mujeres que hoy están escribiendo capítulos decisivos en la historia de la música latina. 

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El anuncio llegó después de uno de los momentos más comentados de abril: su paso por Coachella 2026. Durante su presentación, Karol G dejó una pista clara de lo que venía al proyectar en pantalla un mensaje que desató la euforia de sus seguidores. Desde entonces, la conversación en redes sociales, medios especializados y buscadores digitales no ha parado de crecer alrededor del tour y de la nueva etapa que vive la cantante.

La gira Viajando Por El Mundo Tropitour representa un nuevo capítulo en la carrera de Karol G. No solo confirma su capacidad de llenar grandes escenarios, sino que también ratifica el momento global que atraviesa como una de las artistas latinas más influyentes de la actualidad. Su impacto ya no se mide únicamente por reproducciones o premios, sino también por la manera en que convierte cada anuncio en una noticia internacional y en tendencia inmediata.

Uno de los puntos que más ha llamado la atención es la magnitud del tour. La gira contempla un importante recorrido por distintas ciudades y refuerza la expansión internacional de Karol G en una etapa en la que su propuesta musical sigue conectando con públicos diversos. La noticia ha generado especial interés en Latinoamérica, donde miles de seguidores están pendientes de la confirmación de nuevos destinos y de la posible inclusión de Colombia dentro del calendario oficial.

Además del anuncio, la gira también llega en un momento artístico muy fuerte para la cantante. Karol G ha consolidado una identidad visual, musical y escénica que la mantiene en el centro de la conversación pop. Cada paso que da suma atención, y esta vez no fue la excepción: el Tropitour ya es visto como uno de los recorridos musicales más esperados de 2026.

En Colombia, la expectativa es todavía mayor. Sus fans no solo celebran el anuncio de la nueva gira, sino que también siguen de cerca cualquier señal sobre una presentación en el país. Bogotá y Medellín aparecen con fuerza entre las ciudades que el público más menciona en redes, alimentando el deseo de verla nuevamente en casa con un show de gran formato.

El fenómeno alrededor del tour también demuestra algo clave: Karol G sabe cómo convertir un momento en escenario en una estrategia de expectativa global. Primero fue Coachella, luego el anuncio oficial, y ahora una ola de conversación que no deja de crecer. La cantante vuelve a mostrar que su presencia en la música latina trasciende el lanzamiento de canciones y se instala también en el terreno del espectáculo, la cultura pop y las tendencias digitales.

Con Karol G gira mundial 2026, la artista colombiana vuelve a marcar agenda. Su nuevo tour no solo promete llenar estadios, sino también reforzar el lugar que ha construido como una figura imprescindible de la música latina contemporánea. Por ahora, la emoción crece y los fans siguen atentos a cada actualización sobre fechas, ciudades y nuevas sorpresas del esperado Tropitour.

La entrada Karol G gira mundial 2026: fechas, ciudades y anuncio tras Coachella se publicó primero en Canal Trece.

Emmanuel LV lanza “Mi Amor”, su nuevo sencillo en regional mexicano, marcando una nueva etapa en su evolución musical.

El cantante mexicano Emmanuel LV presenta “Mi Amor”, un sencillo con el que incursiona en el regional mexicano y amplía su propuesta más allá del urbano.

Una nueva etapa musical para Emmanuel LV

Con tan solo 23 años, Emmanuel LV ha construido una trayectoria dentro del urbano-reggaetón, destacándose por su estilo y conexión con nuevas audiencias. Ahora, con “Mi Amor”, el artista explora un sonido diferente que marca un punto de evolución en su carrera.

Una colaboración con nombres clave de la industria

La canción fue escrita por Ariel Barreras y producida por GK, reconocido por su trabajo con artistas como Daddy Yankee, Wisin & Yandel y Jowell & Randy.

El tema fue grabado en Boston y logra una fusión que resalta la carga emocional de la historia con una interpretación sólida por parte del artista.

Versatilidad y proyección internacional

Este lanzamiento reafirma la intención de Emmanuel LV de romper barreras de género y consolidarse como una propuesta integral dentro de la música latina.

Además, el artista prepara su próxima gira por Sudamérica y ha sido reconocido por la Asociación Nacional de Locutores de México, que le otorgará el Micrófono de Oro como Artista Revelación.

“Mi Amor”, ya disponible en plataformas

El sencillo ya se encuentra disponible en plataformas digitales, emisoras de radio y canales de video, posicionándose como un paso clave en la evolución artística del cantante.

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Viva la Salsa vuelve a Medellín el 25 de julio con artistas como El Gran Combo, Óscar D’ León y Jerry Rivera en el Atanasio Girardot.

El evento salsero más importante del país, Viva la Salsa, regresa este 25 de julio al Estadio Atanasio Girardot en Medellín con una nueva edición que promete reunir a miles de asistentes. Tras el éxito de 2025, el concierto vuelve con una nómina de artistas icónicos del género, consolidándose como una de las citas musicales más esperadas del año en Colombia.

Un evento que se consolida como referente de la salsa en Colombia

Viva la Salsa ha logrado posicionarse como uno de los espectáculos más importantes del género en el país, reuniendo a miles de personas en ciudades como Cali, Bogotá y Medellín.

Su crecimiento constante lo ha convertido en una celebración de la cultura salsera, donde cada edición supera las expectativas del público con una producción de alto nivel y artistas de talla internacional.

Un cartel de lujo con grandes leyendas de la salsa

La edición 2026 contará con una nómina destacada encabezada por agrupaciones y artistas históricos del género como El Gran Combo de Puerto Rico, Óscar D’ León y Jerry Rivera.

También harán parte del evento La Sonora Ponceña y Conjunto Clásico, completando un lineup que reúne diferentes generaciones y estilos dentro de la salsa.

• El Gran Combo de Puerto Rico: “La Universidad de la Salsa” con sus éxitos “Me Liberé” y “Un Verano en Nueva York”. 
• Óscar D’ León: “El Sonero del Mundo” con sus himnos “Llorarás” y “Detalles”.
• Jerry Rivera: “El Bebé de la Salsa” o “Cara de Niño”, con sus éxitos “Amores como el nuestro” y “Cara de niño”.
• La Sonora Ponceña: El poder de “Fuego en el 23” y “Yambeque”.
• Conjunto Clásico: El sonido de Nueva York con “Los Rodríguez” y “Señora Ley”.

El Atanasio Girardot, escenario de una gran fiesta musical

El Estadio Atanasio Girardot será nuevamente el epicentro de este evento, recibiendo a miles de fanáticos que vivirán una jornada cargada de música, baile y emoción.

La producción estará a cargo de Juan Velásquez Entretenimiento y Ricardo Leyva Producciones, quienes prometen un despliegue técnico de primer nivel con luces y sonido de última tecnología.

Boletas disponibles con descuento de lanzamiento

Las entradas ya se encuentran disponibles a través de la plataforma www.TuTicket.com.co, con un 50% de descuento en su etapa de lanzamiento hasta el 25 de abril.

Se espera una alta demanda, por lo que la organización recomienda adquirirlas con anticipación para asegurar un lugar en este evento que celebra lo mejor de la salsa.

ENTRADAS

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Morat debutó en Coachella 2026 con un show multitudinario y la sorpresa de Paulina Rubio, consolidando el impacto del pop latino a nivel global.

La banda colombiana Morat debutó en Coachella 2026 con un show que se convirtió en uno de los momentos más destacados del festival. Desde el escenario Gobi, el grupo logró transformar su presentación en un coro masivo, conectando con el público a través de sus canciones más icónicas y reafirmando el lugar del pop latino en la escena global. La sorpresa de Paulina Rubio elevó aún más una noche que marcó un hito en su carrera internacional.

Morat convierte Coachella en un coro multitudinario

Desde los primeros acordes de “Cómo Te Atreves”, el público respondió coreando cada palabra, generando una conexión inmediata que se mantuvo durante todo el show. Canciones como “Amor Con Hielo” y “Faltas Tú” reforzaron esa energía colectiva, transformando la presentación en un punto de encuentro entre la banda y miles de asistentes.

La propuesta en vivo se destacó por su solidez musical y una ejecución precisa, donde cada integrante aportó a una experiencia que trascendió el idioma y consolidó su impacto frente a audiencias internacionales.

“No Se Va”, uno de los momentos más emotivos del show

Uno de los puntos más altos de la presentación llegó con “No Se Va”, interpretada de forma progresiva sobre el escenario. La construcción instrumental fue sumando elementos hasta envolver al público, que terminó apropiándose de la canción y convirtiéndola en uno de los momentos más memorables de la noche.

Este instante evidenció la capacidad de Morat para generar experiencias colectivas en vivo, donde la música se convierte en un lenguaje compartido que conecta culturas y generaciones.

Paulina Rubio sorprende en el escenario de Coachella

El show también tuvo un momento especial con la aparición de Paulina Rubio, quien se unió a la banda para interpretar “Mi Nuevo Vicio”, el primer sencillo que lanzaron en 2015.

La reacción del público fue inmediata, consolidando este como uno de los momentos más comentados del concierto. La colaboración no solo aportó nostalgia, sino que también reforzó el vínculo entre distintas generaciones del pop latino.

Un paso clave para el pop latino en la escena global

La participación de Morat en Coachella se da en medio de su YEM World Tour, con el que continúan expandiendo su presencia internacional. Este debut representa un hito tanto para la banda como para el pop latino, que sigue ganando relevancia en los principales escenarios del mundo.

Además, el grupo ya confirmó su regreso al festival para el segundo fin de semana, el sábado 18 de abril, reafirmando su impacto en uno de los eventos musicales más importantes a nivel global.

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Karol G Coachella 2026 marca un antes y un después en la música global. La artista colombiana Karol G se convirtió en la primera mujer latina headliner en Coachella 2026, consolidando un hito que trasciende lo musical.

Su presentación, bautizada por los fans como “Karolchella”, combinó escala, identidad cultural y conexión emocional, posicionándose como uno de los momentos más impactantes del festival.

Un show sin precedentes

El show de Karol G Coachella 2026 fue una producción de alto nivel.

Más de 30 camiones transportaron un montaje que incluyó visuales inmersivos, efectos de fuego y una narrativa escénica envolvente. El resultado fue un espectáculo que ya se perfila como uno de los más memorables en la historia de Coachella.

Estética y poder escénico

Durante Karol G Coachella 2026, la artista realizó seis cambios de vestuario bajo el concepto “Hot Tropic”.

Brillos, transparencias y siluetas estructurales construyeron una imagen fuerte, versátil y global, reafirmando su identidad artística.

Orgullo colombiano en el escenario

Uno de los momentos más comentados de Karol G Coachella 2026 fue la aparición de guacamayas en escena, símbolo de la biodiversidad colombiana.

Con este gesto, la artista llevó un mensaje claro: la cultura latina tiene fuerza, identidad y un lugar en los escenarios más grandes del mundo.

Un homenaje a la comunidad latina

El show también incluyó un segmento especial dedicado a la comunidad latina en Estados Unidos.

Acompañada por mariachis femeninas, Karol G creó uno de los momentos más emotivos de la noche, conectando con las raíces culturales y el público.

Un mensaje que marcó la noche

Uno de los puntos más virales de Karol G Coachella 2026 fue su mensaje directo:

“No tengan miedo, siéntanse orgullosos”.

Un llamado a la resiliencia, la unidad y el orgullo latino que resonó más allá del escenario.

Invitados que elevaron el espectáculo

El show contó con colaboraciones que encendieron al público.

Mariah Angeliq interpretó “El Makinon”. Becky G desató la euforia con “Mamiii”. Greg Gonzalez aportó un momento íntimo, mientras que Wisin llevó el perreo al escenario con clásicos como “Rakata” y “Mayor que yo”.

Cada aparición aportó energía, emoción y conexión con el público.

Impacto global: nace “Karolchella”

Tras su presentación, Karol G Coachella 2026 se convirtió en tendencia mundial.

Miles de usuarios compartieron clips del show, posicionando “Karolchella” como uno de los momentos más virales del festival.

¿Por qué este momento es histórico?

Karol G Coachella 2026 no es solo un logro personal. Representa un avance para la música latina, mayor visibilidad para artistas de la región y un paso importante en la representación femenina.

Ser headliner en Coachella es uno de los mayores reconocimientos de la industria, y este momento abre nuevas puertas.

De estrella global a ícono

Con este show, Karol G Coachella 2026 confirma su lugar como una de las artistas más influyentes del mundo.

No fue solo un concierto. Fue un hito. Fue un mensaje.

La entrada Karol G Coachella 2026: primera headliner latina hace historia se publicó primero en Canal Trece.

Becky G presenta “Marathon”, su nuevo sencillo junto a Elkan, acompañado de un video grabado en Milán con estética de moda y energía urbana.

Becky G lanza “Marathon”, su nuevo sencillo en colaboración con Elkan, acompañado de un videoclip oficial grabado en Milán. La canción mezcla inglés y español en una propuesta que refleja su identidad artística, mientras que el video combina estética de pasarela con una energía visual inspirada en el mundo deportivo y la cultura pop global.

“Marathon”: una mezcla de idiomas y actitud

En “Marathon”, Becky G navega entre el inglés y el español de manera natural, consolidando un estilo que ha definido su carrera y su conexión con audiencias globales.

La canción transmite una actitud segura y directa, en la que la artista reafirma su identidad sin limitarse a un solo idioma o género, conectando con una generación que consume música sin fronteras. Escucha AQUI 

Un videoclip inspirado en la moda y el movimiento

El video oficial fue grabado en Milán y traduce visualmente la energía de la canción a través de coreografías precisas y una estética influenciada por las pasarelas.

Las escenas incluyen momentos como poses frente a cámaras, flashes de paparazzi y movimientos que combinan elegancia y fuerza, reforzando la idea de mantenerse al frente mientras el mundo observa. Video AQUI

Una artista con presencia global

Previo al lanzamiento, Becky G viajó a Corea del Sur, donde participó en el concierto de regreso de BTS en la plaza Gwanghwamun, además de compartir adelantos exclusivos del tema con sus fans.

Su presencia internacional también se ha consolidado con colaboraciones recientes como “Make It Count”, junto a Myke Towers y YEONJUN (TXT), además de sus apariciones en eventos de moda como las semanas de Milán y París.

Moda, música y cultura pop en una sola propuesta

Además de su carrera musical, Becky G continúa posicionándose en el mundo de la moda con حضور en desfiles de marcas como Roberto Cavalli, Ferrari y Stella McCartney.

Este cruce entre industrias refuerza su imagen como una artista integral, capaz de moverse entre distintos escenarios culturales.

Quién es Becky G y por qué sigue creciendo

Becky G es una de las artistas latinas más influyentes de su generación, con más de 28 mil millones de reproducciones globales y múltiples reconocimientos en la industria musical.

Ha sido nominada en varias ocasiones a los Latin GRAMMY® y a los Premios Óscar, además de formar parte de la lista TIME100 Next en 2025. Su carrera se ha caracterizado por explorar distintos sonidos, desde el pop urbano hasta la música regional mexicana con proyectos como “Esquinas”.

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Morat Tecate Pal Norte fue uno de los espectáculos más impactantes del festival en México, consolidando a la banda colombiana como uno de los actos más importantes de la música latina actual.

Con más de 75.000 asistentes, Morat Tecate Pal Norte se convirtió en una experiencia colectiva donde el público cantó cada canción y acompañó a la banda en un show cargado de emoción y energía.

Un inicio que marcó el ritmo del concierto

Desde los primeros acordes de “Faltas Tú”, Morat Tecate Pal Norte dejó claro que sería una de las presentaciones más memorables del evento.

El público respondió de inmediato, coreando éxitos como “Cómo Te Atreves” y “A Dónde Vamos”, en un ambiente donde la conexión entre la banda y sus seguidores fue total.

Una conexión única con el público

Uno de los momentos más emotivos de Morat Tecate Pal Norte llegó con “No Se Va”, cuando miles de personas cantaron al unísono creando una atmósfera íntima dentro de un escenario masivo.

Este equilibrio entre energía y sensibilidad es una de las características que ha definido a Morat en sus presentaciones en vivo.

Un homenaje a la música latina

Durante Morat Tecate Pal Norte, la banda sorprendió con una versión de “Tu Cárcel”, un clásico que conectó con la nostalgia del público y enriqueció el repertorio del show.

Este tipo de guiños demuestra la capacidad del grupo para integrar tradición y modernidad en su propuesta musical.

Un regreso que marca evolución

La participación en Morat Tecate Pal Norte representa un momento clave en la trayectoria del grupo.

Tras presentarse en ediciones anteriores del festival, su regreso los posiciona ahora como uno de los actos principales, capaces de liderar escenarios y convocar multitudes.

Un momento clave en su carrera

El impacto de Morat Tecate Pal Norte llega en una etapa de crecimiento para la banda, que recientemente ganó su primer Latin GRAMMY y continúa expandiendo su alcance internacional.

Este reconocimiento ha impulsado su presencia en nuevos escenarios y ha fortalecido su conexión con audiencias globales.

Camino a nuevos escenarios internacionales

Después de Morat Tecate Pal Norte, la banda se prepara para su participación en festivales internacionales y para continuar con su gira mundial 2026-2027.

Con múltiples fechas agotadas en distintos países, el grupo sigue consolidando su posición dentro de la música latina.

Morat reafirma su impacto global

Con Morat Tecate Pal Norte, la banda demuestra su capacidad para generar experiencias memorables y conectar con miles de fans en diferentes partes del mundo.

Su crecimiento sostenido, acompañado de nueva música en desarrollo, los posiciona como uno de los referentes actuales del pop latino.

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Colombia, 19 de marzo de 2026. El artista paisa presenta elkno Eres Más Mía Que Tuya, un lanzamiento con el que inicia una nueva etapa musical y visual. En esta propuesta, el cantante demuestra su versatilidad al explorar sonidos de la salsa sin dejar de lado el género urbano que ha definido su carrera.

Con elkno Eres Más Mía Que Tuya, el artista apuesta por una fusión que conecta sus raíces con tendencias actuales, consolidando una identidad sonora más amplia y arriesgada dentro de la escena musical colombiana.

Una historia de conexión que trasciende

La canción elkno Eres Más Mía Que Tuya aborda la complicidad entre dos personas que, aun sabiendo que sus caminos pueden separarse, mantienen un vínculo emocional que permanece en el tiempo.

Este relato conecta con experiencias universales, en las que los recuerdos y las emociones siguen presentes incluso después de que una relación cambia o termina.

Un cambio de sonido y concepto

Con elkno Eres Más Mía Que Tuya, el artista también presenta una nueva imagen y un concepto renovado. En esta etapa, se aleja momentáneamente del reggaetón para explorar una faceta más latina, influenciada por la salsa.

“La frase para definir este momento de mi carrera es: nunca es tarde. Nunca es tarde para seguir trabajando, explorando y buscando. Nunca es tarde para creer, soñar, salir de la zona de confort, arriesgarse y lanzarse”, afirmó el artista sobre este nuevo ciclo creativo.

Un videoclip inspirado en la historia de la salsa

El video de elkno Eres Más Mía Que Tuya se desarrolla como un viaje a través del tiempo. Su estética recrea un bar de salsa de los años dorados, rindiendo homenaje a los grandes referentes del género.

Además, el videoclip tiene un significado especial para el artista, ya que conecta con sus inicios en la música, cuando formaba parte de un grupo de salsa.

“Yo siempre he sido muy salsero, hace años cantaba en un grupo que se llamaba Guateque. Para este tema, no quería que fuera una salsa más, sino una fusión con el género urbano”, explicó.

elkno en La Solar 2026 en Medellín

El impacto de elkno Eres Más Mía Que Tuya también se proyecta en los escenarios. El próximo 2 de mayo de 2026, el artista se presentará en el festival La Solar en Medellín, uno de los eventos musicales más importantes del país.

El concierto se realizará en la unidad deportiva Atanasio Girardot, donde elkno compartirá escenario con artistas como Nanpa Básico, Alvarito Díaz, Yandel y Maisak, entre otros exponentes de la música latina.

Un artista en crecimiento dentro de la escena urbana

Con cerca de un millón de oyentes mensuales en Spotify y más de 11 millones de visualizaciones en YouTube, elkno continúa consolidando su carrera con un sonido que fusiona afrobeats, reggaetón y ahora influencias salseras.

El artista ha logrado posicionarse con temas como “Comerte a Besos”, junto a Ryan Castro y Blessd, y “Poesía Moderna Remix” con Andy Rivera, canciones que alcanzaron el Top 50 viral en Colombia.

Además, ha colaborado recientemente con Miguel Bueno en el tema “Miedo al amor”, ampliando su presencia dentro de la industria musical.

Con elkno Eres Más Mía Que Tuya, el artista no solo presenta una canción, sino una declaración de evolución artística que conecta pasado, presente y futuro en una misma propuesta.

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A 20 años de su muerte, Rocío Dúrcal regresa a cines con una versión remasterizada de su histórico concierto en el Auditorio Nacional.

Un concierto histórico que vuelve al cine

La producción retrata el primer concierto de la artista en el Auditorio Nacional, realizado el 22 de noviembre de 1991, un evento que marcó un hito en su trayectoria musical.

Esta nueva versión ha sido remasterizada en imagen 4K y sonido 5.1, ofreciendo una experiencia renovada que acerca al público a la intensidad y emoción de aquella presentación en vivo.

Estreno en México y llegada a Latinoamérica

El lanzamiento tuvo su premiere el 24 de marzo en Cinépolis Miyana, en Ciudad de México, y desde el 25 de marzo comenzó su distribución en salas de cine.

La proyección estará disponible en varios países, incluyendo Colombia, Chile, Perú, Panamá, Costa Rica, Guatemala, Honduras, El Salvador y España, ampliando el alcance de este homenaje a nivel internacional.

Un repertorio con sus canciones más emblemáticas

El concierto incluye algunos de los temas más representativos de la carrera de Rocío Dúrcal, como “La Gata Bajo la Lluvia”, “Amor Eterno” y “Como Tu Mujer”.

Además, cuenta con la participación especial de Juan Gabriel y Enrique Guzmán, quienes acompañaron a la artista en una de las noches más recordadas de su trayectoria.

Un legado que sigue vigente

Más allá del concierto, este lanzamiento reafirma la vigencia de Rocío Dúrcal como una de las voces más importantes de la música en español.

Con más de 40 millones de discos vendidos, múltiples producciones cinematográficas y reconocimientos como el Latin Grammy a la Excelencia Musical, su legado continúa conectando con nuevas generaciones que ahora podrán redescubrir su obra en salas de cine.

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